Картинами: Купить картину «Тигр» c дикими животными, маслом на холсте, в стиле реализм, Юлия Лычагина

Живопись, картины и художники – онлайн-музей Gallerix

Виртуальный музей живописи.

Все наши впечатления, фантазии, увиденные архитектурные ландшафты, предметы, пейзажи удивительным образом находят свое отображение в творческих работах великих мастеров и знаменитых художников. Можно сказать, что любая галерея картин насыщает зрителя таинственным колоритом высокого искусства и неповторимыми оттенками внутреннего мира их создателя.

Декорационная живопись, живопись маслом, акварелью, карандашом, монументально-декоративная, иконопись, панорама, миниатюра, диорама – среди такого многообразия каждый находит близкую для себя частичку окружающего мира, характера и настроения. Но, несмотря на это, этапы создания очередной репродукции картин известных художников все также окутаны таинственной дымкой. Возможно, именно это позволяет зрителю каждый раз восторженно наслаждаться насыщенной палитрой, необычными формами и величественной глубиной всего сюжета произведения.

Являясь верным поклонником творчества какого-либо художника, как в первый раз все также с восхищением следишь, как на поверхности холста появляются новые образы и неутомимые потоки краски. Художник будто вдыхает в них жизнь, и они уже игриво ложатся на полотно нового произведения, иногда широко и свободно растекаясь, а иногда – выплескиваясь и плавно ложась слоями. Каждый мазок репродукции известных картин рождает новую стихию. Это может быть дерзкий и неутомимый характер Бури у берегов Ниццы Ивана Айвазовского или мягкие и теплые тона Швейцарского пейзажа с лошадьми Алексея Саврасова.

Что интересно, любые репродукции картин одного и того же мастера открывают новые грани его таланта. Разница лишь в том, откуда художник черпает вдохновение и благодаря чему создает уникальные вариации античного, средневекового или абстрактного направления. Живописцы умело соединяют в своих работах страницы таинственного прошлого и неожиданного настоящего. Возможно, поэтому галерея картин дарит одухотворенное, романтичное начало, обращенное к образам прошлых лет фигуративного или традиционного искусства.

В этом и заметен вечный творческий поиск талантливых авторов, как прошлых лет, так и сегодняшнего времени. И что очень радует, проникнуться их духом и настроением, перенестись в Третьяковскую галерею, Эрмитаж или Русский музей сегодня достаточно просто – нужно всего лишь скачать картины известных художников и насладиться их реалистичностью, колоритом высокого искусства. А оно, как и много лет назад, не перестает удивлять истинных ценителей живописи. Многие художники в своих работах обращаются к истории, образам минувшего столетия. Это делает репродукции картин не только художественно ценными, но и интересными в интеллектуальном плане.

Почитатели прошлых и современных живописных форм ценят в произведениях искусства еще и «дыхание жизни». Каждый мазок, блик, оттенок должен максимально передавать богатую реалистичность всего сюжета. Не зря Леонардо да Винчи в свое время сказал о живописи как о поэзии, которую видят. Присмотритесь только к насыщенной картине известного художника Пьера Огюста Ренуара «Букет роз в зеленой вазе». С первого мгновения будто ощущаешь их манящий сладкий аромат, нежность каждого лепестка и свежесть игривой капельки росы. А в произведениях художника Anders Zorn удивительным образом проявляется чувственность и изящность любой женщины. Автор великолепно передал современную эстетику ню, наполненную академическим стилем и благородной динамикой футуризма.

Несомненно, такие репродукции картин художников позволяют зрителям по-новому взглянуть на привычные вещи, изображенные на полотне. Они не только радуют невероятным богатством красок и оттенков, но также передают очарование окружающего мира, упорядоченного рукой мастера.

Gallerix.ru — это виртуальный музей, в котором вы найдёте живопись, картины, репродукции картин русских и зарубежных художников, коллекции живописи крупных музеев. Здесь можно скачать картины в высоком разрешении и превосходном качестве, высказаться, а сколько всего ещё впереди! Обновление галерей, в среднем, раз в неделю, заходите чаще!

Такая разная живопись

Живопись – удивительное по своему разнообразию явление. В нём традиционно выделяется станковая, монументальная и декоративная живопись, а также оформление театральных декораций и миниатюрная.

Наиболее распространенной является станковая живопись. Она выполняется на мольберте, который является станком для художника. Обычно материальной основой картины является холст, натянутый на подрамник. Применяется также дерево, картон и бумага. Картина показывает современную действительность, исторические события, сюжеты, задуманные живописцем. Для станковой живописи нет ограничений в изобразительных возможностях. Здесь богатый цвет позволяет глубоко и точно отобразить уникальность действительности.

Особым, идеологически нагруженным вариантом является монументальная живопись. Она представляет собой масштабные живописные произведения, которые создаются для украшений объектов архитектуры. В ней должны отражаться заметные процессы и события, которые повлияли на общественный прогресс. Такая живопись, в силу её масштабности, предполагает особые подходы и значительные средства.

При помощи декоративной живописи украшаются интерьеры помещений. Она может выступать в виде насыщенных красками панно, дающими иллюзию визуального изменения объёма помещений в нужную сторону. Декоративная живопись органически объединяет интерьер и украшает предметы домашнего обихода.

Специфический характер имеет живопись в театре. Она предназначена для изготовления декораций, разработки набросков костюмов для сцены и реквизита. Театральный художник призван помочь точно выразить персональные особенности персонажей спектакля, эпоху в которой происходит действие. Это помогает раскрывать суть сценического представления. При этом предполагается учёт большого количества мест, с которых зрители смотрят спектакль, световые и цветовые возможности. Все это помогает адекватно воспринять спектакль.

Получившая популярность в средневековье живопись миниатюр используется преимущественно в издательском деле. Издавна книги украшались тщательно проработанными миниатюрными иллюстрациями. В первой половине ХIХ в. огромной популярностью пользовались небольшие акварельные портреты. Их отличали изысканность, изящество и филигранность письма.

Различные виды живописи также отличаются связующим веществом, на основе которого создается краска. Так, для масляной живописи применяется краска, в которой красящий пигмент растирается на маслах из растений. Такой краской пишут преимущественно на холсте, а также на картоне, металлических и деревянных плоскостях. Если краска густеет, её разводят специальными разбавителями. В темпере используется краска на казеиновой или яичной основе. Её растворяют водой и в виде жидкой пасты наносят твёрдую поверхность. Благодаря темпере сохранились старинные росписи на стенах, многие иконы и уникальные узоры на предметах домашнего обихода. Актуально применение темперы в живописных и графических работах, при художественном оформлении, декорировании зданий и помещений.

Также давнее происхождение имеют фресковая, восковая живопись и мозаика. С помощью первой создаются большие интерьерные композиции. У нее эстетичный вид и отменная долговечность. На основе отбеленного воска делаются восковые краски. Они горячим специальным металлическим инструментом переносятся на деревянную поверхность или холст. В мозаичной живописи произведение создается из небольших осколков разноцветного стекла и камня. Элементы мозаики при помощи цементного состава соединяются с поверхностью и создают интересные эффекты. Панно из мозаики широко используются для оформления помещений внутри общественных зданий и сооружений. Определённое сходство с мозаикой имеет живопись на витражах.

Разнообразие живописных произведений, в которых художник выражает свой творческий замысел, помогает увидеть красоту мира в повседневной жизни, постичь его совершенство.

Остановить прекрасное мгновенье

Уже не одну сотню лет это делается при помощи живописи – одного из важнейших видов изобразительного искусства. Ничто, кроме живописи, не способно с необычайной глубиной и техническим совершенством отразить богатую цветом, объёмом и материальной уникальностью окружающую человека действительность. Воспроизвести подсвеченный солнечным лучом воздух в утренней прохладе соснового леса. Или показать сверкающую всеми цветами радуги каплю росы на травинке.

Глубина окружающего человека пространства, удивительные особенности простых предметов проявляются в художественном творении благодаря использованию средств и приемов, присущих только живописи. Через рисунок, цвет и светотень, выразительные мазки, грамотные композиционные и фактурные решения изображение обычных вещей приобретают художественную ценность. Это и дым мчащегося паровоза, и степная пыль, поднятая табуном лошадей. Зритель может ощутить себя и в космическом корабле, и на палубе старинного парусника. Мастерски выписанные жанровые сюжеты помогут ему ощутить кисейную нежность наряда аристократки и грубую фактуру рубища нищего.

Дрезденская галерея. Photo: IgorMiske|Unsplash

Живопись удивительным образом раскрывает внутренний мир человека, радость и горе героев полотен, их неуемный восторг и отчаяние. Немало живописных работ показали в зрительных образах героизм и самопожертвование, мужество и трусость, подлость и предательство.

При помощи кисти и красок могут быть выражены неосязаемые идеи, глубинные исторические процессы, бытовые сюжеты, развернутые изображения различных событий. Предметом живописи стали батальные события и заседания парламентов, монархи и крестьяне, бунты, карнавалы и проводы в последний путь. Живописное изображение раскрывает духовное богатство и эмоциональную убогость, нравы и обычаи разных народов, богатые мироощущения современников живописца. При этом зритель получает ощущения, сходные с теми, которые он мог бы получить в действительности.

Материальной основой живописи являются её произведения, через которые осуществляется эмоциональное и интеллектуальное воздействие. Такое произведение должно иметь материальный носитель или основу в виде холста, бумаги, картона, дерева. Многие живописные работы создаются на камне, металле, стекле и бетоне. Обычно основа покрывается грунтом, на который кладется красочный слой. Иногда для большей сохранности работы краска покрывается лаком, создающим защитную пленку.

Флорентийское великолепие. Photo: JoshuaEarle|Unsplash

Однако главным таинством живописи является превращение под кистью мастера различных красок в цельное художественное изображение. Именно краски способны раскрыть изобразительный и эмоциональный потенциал живописи, особенности мастерства живописца. Самыми популярными красками при создании живописных полотен являются краски, в которых красящее вещество (пигмент) связывается растительным маслом. Они отличаются сильной цветопередачей и прекрасной устойчивостью к воздействию света. Акварельные краски художники ценят за их прозрачность, сочетаемую с яркостью и лёгкостью. Сегодня живописные работы создаются также при помощи темперы, гуаши, пастели и туши. Существует живопись разведёнными водой красками, которая широко применяется при создании фресок, восковая живопись и живопись керамическими и силикатными красками. Синтетические краски, их цветовая насыщенность и долговечность позволили вывести живопись из музейных залов на улицы городов на всеобщее обозрение. Носителями такой живописи стали здания и сооружения, средства транспорта и специальные конструкции. Произведения живописи всё больше насыщают быт человека. Живопись становится доступнее и демократичнее.

Живописные жанры

По мере исторического развития живописи её произведения начинали делиться на жанры в соответствии с объектами изображения и тематикой картин. Таких жанров сегодня насчитывается до полусотни.

Часть их связана с изображением человека. Жанр, называемый «ню» означает показ тела человека, которое обнажено. Он близок к сюжетам, раскрываемых в работах мифологического и исторического содержания. В произведениях, выполненных в портретном жанре, изображается человек. Такое изображение может носить индивидуальный или групповой характер, а также иметь парадный вид. Среди этих жанров выделяется жанр автопортрета, где автор запечатлевает сам себя. К жанрам, изображающим людей, может быть отнесена и карикатура. Здесь допускается намеренное искажение и преувеличение пропорций и черт лица человека. Используется различная символика, фантазии. Всё это призвано акцентировать внимание на критикуемых недостатках человека.

В анималистическом жанре изображаются животные, а в работах так называемого иппического жанра лошадь выступает главным героем живописного изображения.

Существует группа жанров, где отображаются исторические события. Такие работы отличает многоплановость и реалистичное изображение давно минувших дней. А для работ жанра, показывающего батальные события, характерно большое количество изображаемых лиц, участвующих в военных походах и сражениях. Батальные сюжеты предполагают их многоплановость. В некоторых жанрах содержится стремление донести до зрителя некие символы, мысли, которые представляются важными для людей. Так, картины аллегорического жанра предполагают скрытое содержание в изобразительном материале этих произведений. Расшифровываться оно должно посредством изображенных на картине людей, мифических героев, фантастических существ. В жанрах, изображающих героев былин и мифов, идеи передаются посредством соответствующих сюжетов. Религиозный жанр предполагает написание икон и иных работ сакрального содержания.

Распространенным жанровым объектом считается натюрморт. Здесь центром изображения становятся, преимущественно фрукты, овощи, посуда, вазы с цветами. Своеобразной разновидностью натюрморта является жанр «ванитас». В нём центральное место отводится черепу, символизирующему временность земного существования.

К пейзажным жанрам относятся изображения видов природы, городов и поселений. Пейзаж предполагает изображение картин природы, а также видов, связанных с морем и городами. Сюда можно отнести и жанр венецианского происхождения, называемый «ведута». По сути, это точно выписанная городская панорама, в которой, безусловно соблюдены архитектурные формы и пропорции. Жанр «каприччо» означает созданный фантазией художника архитектурный пейзаж.

К жанрам, отражающим обыденную жизнь, относят жанры изображающие человеческий быт, и пастораль. Первый характерен обыденной простотой в изображении элементарных жизненных сюжетов. Пастораль, напротив, идеализирует и украшает средствами живописи обыденную жизнь в сельской местности, подавая её в пастельных тонах. К бытовым жанрам может быть отнесен жанр интерьера, который показывает внутреннее оформление жилья и других помещений.

Краков, Польша. Photo: BeataRatuszniak|Unsplash

Иногда живописцы используют художественный жанр, называемый обманкой. В нём для получения зрительной иллюзии используются особые приёмы.

Жанры в живописи не есть что-то раз и навсегда застывшее. Они могут соединяться, дополнять друг друга. Отдельные со временем могут исчезнуть, другие будут развиваться, отражая жизнь.

Новости партнёров
Статьи по культурологии
Энциклопедия (в разработке)
Фотошоп онлайн
Обновления

Зеркало человечества

Человечество помнит себя во многом благодаря живописи. Это были сначала примитивные изображения животных, сцен охоты на них. Затем появился человеческий образ. Складывается подобие композиции. Красками служили кусочки охры и угля. Рабовладельческий период развития общества обогатил живопись её связью с архитектурой, новыми техническими средствами. Нередким было примитивное изображение человека, развёрнутые повествовательные сюжеты. Появились пейзажи, изображения предметов быта, домашних животных и птиц. Такая древняя живопись имела декоративный характер, у неё были контурные линии и цветовые пятна.

Посетители Лувра перед портретом Моны Лизы Photo: JuanDiNella|Unsplash

В античный период живописью украшали культовые сооружения, жильё, усыпальницы и другие строения. Расширилась тематика и сюжетное разнообразие живописных сюжетов. Осознанно стали применяться светотень, различные варианты перспективы. Появились фресковая и восковая живопись. Средневековье характеризовалось преобладанием живописи религиозного содержания. Использовались гуашевые, акварельные краски и краски на клеевой основе. Храмы украшались фресками, настенными росписями, мозаиками и витражами. Непременным атрибутом церквей стали иконы, создаваемые на покрытых грунтом досках. Живописные работы того времени отличались контурной чёткостью, цветовой насыщенностью, локализацией цветовых пятен.

Во время эпохи Возрождения возрос интерес к живописным работам, отражающим идеи гуманизма. Совершенствование техники работы с масляными красками значительно расширили потенциал живописи. Единение глубины пространства, светотеневых эффектов и цветового многообразия позволяло с высокой степенью реалистичности воспроизводить окружающие человека предметы и его самого. В сюжетах с обнажённой натурой демонстрировалась гармоничность человеческих отношений. Начинала преобладать многослойная живопись маслом, которая вытесняла темперу.

ХVII-XVIII века стали временем создания национальных живописных школ. В картинах появились социальные аспекты, реалистичнее показывалась реальная жизнь. Совершенное мастерство живописцев позволило им взяться за изображение человеческих конфликтов, их психологии. Расширялось жанровое разнообразие живописи. Все большее значение отводилось станковой живописи. Совершенствовалась техника многослойной масляной живописи. Стали развиваться техники живописи, направленные на создание произведений камерного характера с использованием акварели, пастели, туши. Популярными стали различные виды миниатюрных портретов.

Взаимообогащение живописных традиций разных стран стало одной из важных черт живописи ХIХ века. Это помогало созданию реалистичных пейзажных школ. Живопись стала средством демонстрации негативного отношения к социальной действительности. В среде художников стали зарождаться подходы, оторванные от реальной реальности. В противовес им возник живописный романтизм, который исповедовал активную жизненную позицию. Он отличался конкретностью и убедительностью, динамичностью, контрастностью и колоритным богатством. Героями картин становились прогрессивные представители общественности, рабочие и крестьяне. В станковой живописи стали использоваться более совершенные краски фабричного производства.

Прерафаэлиты. Photo: ClemOnojeghuo|Unsplash

Конец ХIX и начало ХХ веков отмечен противоречивостью, борьбой разных течений в живописи. Активнее проявлялась персонификация видения художниками действительности, цвет становился насыщеннее и ассоциировался с отображаемыми в картине событиями и людьми. Во многих работах были правдиво осмыслены трагические события того времени. В то же время порой формы утрировались, машинизировались и становились декоративными элементами сюжета.

ХХ век отмечен развитием течений в художественной среде, которые негативно влияли на живопись. В некоторых странах она порой деградирует, превращаясь в компонент развлечений и рекламы.

Художник и его произведение

Сегодня занимающийся живописью художник может работать в театре, на промышленном предприятии и многих других местах. Зачастую именитые художники не работают по найму вообще, а полностью посвящают себя исключительно творчеству. Важной частью творческого процесса живописца является создание материальной основы для работы. Ведь зачастую художник должен нести немалые траты на аренду мастерской, приобретение мольбертов, красок, кистей и других инструментов для живописи. Вписанные в рыночные отношения некоторые живописцы вынуждены заниматься несвойственным им делами, занимаясь продвижением своих работ, маркетингом. Неотъемлемой частью жизни художника является его участие в выставках, конкурсах и других презентационных мероприятиях. Отдельным художникам удается найти почитателей их таланта, которые финансируют творческий процесс. Ещё с древних времен у сильных мира сего было принято иметь своих живописцев. Целью таких людей было использование искусства в целях собственного возвеличивания, фиксация важных исторических событий, формирование у потомков позитивного впечатления. В то же время художники, обслуживавшие таких заказчиков, получали возможность создавать высокохудожественные произведения различных жанров. Именно благодаря их творческим усилиям современный зритель может получить представление о важнейших событиях давно минувших дней, ощутить дыхание прошедших эпох.

Photo: AlpAllenAltiner|Unsplash

Профессиональная работа по созданию художественных произведений требует специальных знаний, которые дают художественные учебные заведения. Без таких знаний, независимо от источника их получения, художнику сложно создать высококачественное живописное произведение. Ведь любая стадия его создания требует специальных знаний и навыков. Задумывая сюжет картины, художник одновременно должен думать об источниках информации для его наполнения. Прежде, чем приступить к реализации творческого замысла на холсте или бумаге, ему необходимо ознакомиться с огромным объёмом информации для наиболее реалистичного и высокохудожественного отображения задуманного. Объём такой информации во многом зависит от жанра, в котором работает художник. Например, художник-баталист не сможет достоверно реализовать задуманный сюжет без чёткого представления об оружии, обмундировании, военных обычаях. Маринист не сможет работать вдали от моря, не зная основ конструкции кораблей, особенностей морского климата. Портретист должен знать все о герое портретного изображения, включая манеру двигаться, одеваться, смотреть и разговаривать. Только так, глубоко изучив свою натуру, художник может приниматься за работу. Предварительно им прорабатывается перспективы и композиция картины, делаются различные наброски и эскизы. Все эти подготовительные мероприятия позволяют приступить к созданию подготовительного рисунка на основе для картины. Рисунок выполняет функцию каркаса будущего произведения, закладывает фундамент целостности его изобразительного строя. От тщательности рисунка, выполненного карандашом, углём или мелом, в решающей степени зависит дальнейшая работа над картиной.

Перед началом работы с красками художник должен иметь чёткое представление о цветовой композиции своего произведения, которая создает ему колористическую цельность. Она реализуется при помощи красочных пятен или мазков, которые усиливают восприятие картины зрителем. Только после выполнения необходимых подготовительных процедур, нанесения и закрепления рисунка опытный художник начинает работать непосредственно красками.

Воспоминания торговцев картинами | Артгид

В издательстве «Азбука» вышла книга, соединившая под одной обложкой воспоминания двух знаменитых парижских торговцев произведениями искусства — Поля Дюран-Рюэля (1831–1922), который первым начал активно скупать работы импрессионистов, и Амбруаза Воллара (1866–1939) — одного из первых широко известных и процветающих арт-дилеров XX столетия. С любезного разрешения издателя мы публикуем фрагмент из воспоминаний Воллара, посвященный Монмартру в 1890 году.

Анри де Тулуз-Лотрек. Танец в Мулен-Руж. 1890. Холст, масло. Художественный музей Филадельфии. Источник: Toulouse Lautrec Foundation

Около 1890 года я обосновался на Монмартре, в нижней части проспекта Сент-Уан, на улице дез Апеннен. Две комнаты с мансардой служили мне одновременно и квартирой, и «магазином». Однажды раздался звонок, и я впустил посетителя, который произнес: «За мной идет еще один человек». Коллекционер поднимался по лестнице с трудом, подталкиваемый двумя друзьями. «Немного терпения, — говорил один из них, — поглядеть на прекрасного Гийомена — это стоит того, чтобы вскарабкаться на шестой этаж».

Монмартр 1890 года! Монмартр первого кабаре «Мулен Руж» — его изобразит для меня Бонна на своей знаменитой картине, — как он отличался от послевоенного Монмартра с его мрачными ночными заведениями!

В то время по воскресеньям я позволял себе развлечение, которое было мне по средствам: я отправлялся на Елисейские Поля и, стоя под деревьями, окаймляющими проспект, любовался парадом красивых колясок. Но, отступив однажды от строгих принципов экономии, позволявших мне до тех пор сводить концы с концами, я провел вечер в кабаре «Ша-Нуар». Там висела большая картина Вийетта «Parce Domine», о которой на Холме говорили, что она может соперничать с композициями мастеров XVIII века. Другим аттракционом «Ша-Нуар» было обслуживание посетителей гарсоном, одетым в костюм академика.

О Вийетте я узнал благодаря «Курье Франсэ»; вокруг этой газеты группировалось большинство самых знаменитых рисовальщиков того времени, начиная с Форена. «Самые знаменитые» не означает самые состоятельные. У Вийетта было много ревностных поклонников, но мало покупателей. То же относится и к художнику Луи Леграну, который, ютясь в тесной квартире на авеню Клиши, уже создал некоторые из своих самых красивых гравюр, но продать их не мог. Это ему удалось сделать только после того, как он (к их взаимной выгоде) повстречался с издателем Пелле. Изумительные гравюры по дереву Анри Ривьера накапливались в папках художника; если его имя и было известно публике, то благодаря представлениям китайских теней, вызывавшим аплодисменты на вечерах в «Ша-Нуар», тех вечерах, на которых состоялся дебют Леона Блуа, Жюля Жуи и будущего академика Мориса Доннэ. Когда говорят о художниках Монмартра, то на память сразу приходит Форен, несмотря на то что жесткость рисунков сатирика была полной противоположностью веселому монмартрскому зубоскальству. Действительно, насколько далеки они от «Пьеро» Вийетта, с женщиной, чьи плечи дрожат, когда она вставляет ключ в замочную скважину, в то время как за ней по лестнице следует «незнакомец», которого она пригласила к себе!

Обложка книги «Воспоминания торговцев картинами».

Я помню другое заведение на Монмартре, его содержал шансонье Аристид Брюан, рослый мужчина крепкого телосложения, который обычно появлялся в широкополой фетровой шляпе и с красным шарфом вокруг шеи. Он приобрел некоторую известность не только благодаря своим песням, но и в неменьшей степени грубым выходкам: например, едва клиент переступал порог кабачка, как на него обрушивался поток брани. Кабаре пользовалось большой популярностью, но потом прекратило свое существование. Память о нем сохранится благодаря афишам, нарисованным Лотреком; на них шансонье изображен в своем легендарном костюме.

Лотрек сумел бы поднять на высокий уровень искусство украшения стен, получи он хоть какое-то одобрение; об этом можно судить по холсту, написанному для балагана Ла Гулю, еще одной монмартрской знаменитости, которая, перестав танцевать в канкане «Мулен-Руж», стала укротительницей львов и других хищников, вскоре распроданных из-за того, что она разорилась. Когда Ла Гулю умерла, всеми забытая, в нищете, с полотном Лотрека начались разные приключения. Оно переходило из рук в руки и наконец было разрезано на части последним покупателем, посчитавшим, что будет легче продать холсты меньшего размера. Под давлением возмущенных почитателей художника куски соединили, и, уплатив четыреста тысяч франков, картину приобрела администрация департамента изящных искусств, того самого департамента, который двумя десятилетиями раньше поднял бы на смех Лотрека, если бы тот попросил разрешения бесплатно расписать какую-нибудь стену.

Свою фантазию он вкладывал не только в произведения, но и привносил ее во все свои житейские поступки. Как-то, вернувшись вечером домой, я услышал от служанки: — Сегодня после полудня приходил этот забавный коротышка. Я сказала ему, что мсье Воллар отсутствует. А на мой вопрос, как его фамилия, он, не говоря ни слова, подобрал валявшийся уголек, на изнанке холста, приставленного к стене, нарисовал человечка — и был таков.

В то время Боннар работал над интерьером моей столовой, и Лотрек на обороте одного из этюдов Боннара вместо визитной карточки оставил свой собственный силуэт.

Я сказал, что чиновники департамента изящных искусств рассмеялись бы, приди кому-то в голову мысль просить их заказать Лотреку фрески; после Ла Гулю великого художника пригласила хозяйка одного знаменитого приюта, предоставив в его распоряжение стены своего «салона».

Эдуард Мане. За кружкой пива. 1873. Холст, масло. Собрание К. Тисен, Филадельфия

В кафе «Новые Афины» на Монмартре собирались Дега, Сезанн, Ренуар, Мане, Дебутен и художественные критики вроде Дюранти. Последний стал поборником «новой живописи», хотя его восхищение не было безоговорочным. В частности, он упрекал Сезанна за то, что тот рисует мастерком каменщика. По мнению Дюранти, Сезанн покрывал холст таким толстым слоем красок из-за того, что, должно быть, полагал, будто килограмм зеленой даст более зеленый цвет, чем один грамм этой же краски.

Мане также недолюбливал художника из Экса. Утонченный и изящный парижанин, он находил, что в работах Сезанна получает отражение грубость этого человека. Но сквернословие, которое он ставил ему в вину, было, по правде говоря, вызвано отношением Сезанна к Мане, раздражавшему его своими светскими манерами. Так, когда автор картины «За кружкой пива» спросил у коллеги, не готовит ли он что-нибудь для Салона, то услышал в ответ:

— Да, горшок дерьма!

Иногда говорили: «Дега и Ренуар, с их столь непохожими натурами, не созданы для взаимопонимания». На самом деле, если, глядя на некоторые полотна Ренуара, Дега иногда замечал: «Он рисует клубками шерсти», подразумевая под этим некоторую ватность его живописи, то, бывало, он же, остановившись перед какими-то холстами Ренуара и как бы любовно лаская их взглядом, восклицал: «Надо же, какая красивая фактура!».

В то же время рисунок Дега ни у кого не вызывал большего восхищения, чем у Ренуара, хотя в глубине души последний сожалел, что тот ради живописи маслом отказался от пастели, в которой наиболее полно проявилась его самобытность.

Несмотря на взаимное уважение друг к другу как к художникам, Ренуар и Дега все же поссорились. И вот при каких обстоятельствах. Составляя завещание о передаче своей коллекции импрессионистов в дар Люксембургскому музею, Кайботт вспомнил о том, сколько запрашивал Ренуар за свои полотна во времена, когда коллекционер приобретал их. Испытывая что-то вроде угрызений совести из-за того, что он купил их по столь низкой цене, и желая хоть как-то вознаградить художника, Кайботт завещал ему, на его усмотрение, одно из произведений коллекции.

Пьер Огюст Ренуар. Бал в Мулен де ла Галетт. 1876. Холст, масло. Музей Орсэ, Париж

В то время Ренуар начинал «продаваться». Узнав, что один коллекционер готов заплатить пятьдесят тысяч франков за «Мулен де ла Галетт», Ренуар, естественно, пожелал взять именно этот холст. Брат Кайботта, его душеприказчик, объяснил художнику, что, по- скольку коллекция предназначена для Люксембургского музея, будет жаль, если она лишится одного из самых сильных полотен. То же самое Ренуар услышал и в отношении «Качелей», и в конце концов, так как наследие Кайботта включало многочисленных «дега», брат коллекционера предложил Ренуару (и тот с ним согласился) взять пастель «Урок танца». Но автору «Гребцов» быстро наскучило изображение музыканта, склонившего голову над скрипкой, и танцовщицы, которая, подняв ногу, ожидала нужной ноты, чтобы совершить пируэт. Однажды Дюран-Рюэль сказал ему: «У меня есть клиент, интересующийся тщательно отделанными работами Дега», и Ренуар снял картину со стены и вручил Дюран-Рюэлю.

Узнав об этом, взбешенный Дега отослал Ренуару великолепное полотно, которое последний как-то разрешил ему унести из своей мастерской: на картине была изображена почти в натуральную величину женщина в голубом платье с открытой грудью. Произведение было создано в то же время, что и знаменитая «Улыбающаяся дама». Я находился у Ренуара в тот момент, когда полотно было ему столь бесцеремонно возвращено. Схватив в приступе гнева шпатель, он стал рвать им холст. Платье уже превратилось в лохмотья и он занес было инструмент над лицом женщины, когда я воскликнул:
— Но подождите, Ренуар!
Рука художника замерла.
— Ну что еще?
— Мсье Ренуар, вы однажды говорили на этом же самом месте, что картина — это как бы твой ребенок…

Ренуар яростно бросил в огонь порезанные куски холста, затем, взяв листок бумаги, написал на нем одно-единственное слово: «Наконец!», вложил листок в конверт с адресом Дега и вручил письмо своей служанке, попросив отнести его на почту. Некоторое время спустя, когда я встретился с Дега, он поведал мне всю историю и, помолчав, спросил:
— Что он хотел сказать этим «наконец»?
— Очевидно, то, что он наконец порвал с вами отношения!
— Вот тебе на! — воскликнул Дега.
Он явно не мог прийти в себя от удивления…

Клод Моне. Белые индюки. 1876. Холст, масло. Музей Орсэ, Париж

Время наивысшей популярности «Новых Афин», где, как мы видели, собирались импрессионисты, было временем создания «Ложи», которую Ренуар с таким большим трудом сумел продать за четыреста двадцать пять франков — сумму, необходимую ему для того, чтобы уплатить за квартиру; в это же время Мане нарисовал женщину в белом сатиновом камзоле, лежащую на софе, — много позже, примерно в 1895 году, за эту картину на аукционе Надара не дали и тысячи пятисот франков; тогда же появились знаменитые «Белые индюки» Клода Моне, которые на аукционе Ошеде были проданы меньше чем за сто франков… И даже около 1900 года крупный торговец с бульваров, желая сбыть партию импрессионистов (она, по его понятиям, портила другие, «более тщательные» картины коллекции), не нашел ничего лучше, как отнести холсты в лавочку на отдаленном бульваре, где благодаря коллекционерам, искавшим выгодных сделок, шла бойкая торговля.

Однажды, проходя по бульвару Клиши, я из чистого любопытства зашел в ресторанчик с вывеской «Тамбурин». В соответствии с названием в нем стояло множество тамбуринов, художники расписали их, использовав самые разные сюжеты. И не только тамбурины можно было увидеть в ресторане; на стенах висели картины, колорит которых так и хотелось назвать кричащим. Вместе со мной внутрь вошел какой-то человек, спросивший у хозяйки заведения:
— Винсент пришел?
— Он только что был здесь. Повесил вот эту картину «Подсолнухи» и тут же удалился. Так я едва не повстречался с Ван Гогом. Понятно, что клиенты-художники не могли принести больших доходов хозяйке ресторана, некоей госпоже Сегатори, постоянно находившейся на грани разорения; в итоге вся ее обстановка, все ее тамбурины и «ван гоги» оказались в руках у случайных людей после распродажи на торгах. Торгах более чем скромных, ибо в то время Ван Гог пользовался репутацией потешного художника, и хорошо, если он не вызывал у людей возмущение, чему я был свидетелем однажды, когда один торговец картинами не смог сдержать своего негодования. «Какое нахальство! — объяснял он мне. — Представляете, этот тип, когда я разговаривал с коллекционером по поводу картины Жозефа Байля „Повар“, пришел предложить мне холст некоего Ван Гога, пейзаж с разноцветной луной, напоминающей паутину. Ничего себе! Хороший способ привлечь клиентуру, а?».

Как наблюдать за картинами, Введение

Как наблюдать за картинами, введение

ArtWizard 08.06.2020

«Искусство — это творение глаза, и словами на него можно только намекнуть»

Джон Балдессари

В то время как многие картины могут быть оценены просто потому, что они есть, наше удовольствие смотреть на них можно повысить, оттачивая и тренируя наши умения наблюдать. Художники делают картины, потому что они чувствуют себя обязанными, поскольку они вдохновлены, чтобы создать аналогии с окружающим нас миром и выразить, как они видят жизнь, используя краски. Хотя трудно выразить то, что мы видим словами, поскольку искусство — это визуальный язык, в следующих статьях будут представлены некоторые сравнения и методы наблюдения, чтобы увидеть, сможем ли мы получить больше удовольствия или смысла от картин, с которыми мы сталкиваемся в нашей жизни, в музеях, галереях или в частных коллекциях. Интересно будет начать со сравнения двух картин, выполненных маслом на холсте и на дереве.

Leonardo da Vinci, Monna Lisa (La Gioconda), 1503 – 1505 /07

Это около двух великих ледис, и таинственных, и проживающих в Лувре, первоначально частном королевском дворце и преобразованном в 1793 году в первую публичную галерею. «Мона Лиза (Джоконда)» Леонардо да Винчи /«Monna Lisa (La Gioconda)», Leonardo da Vinci/ и «Портрет негритянки» Мари-Гийемин Бенуа /«Portrait d’une négresse (Portrait of Madeleine)», Marie-Guillemine Benoist/. Эти две произведение, и загадочные, и каждое из них представляет момент в истории искусства. Покрытые драпировками, чтобы льстить своим телам, они кажутся спокойными, самодостаточными и собранными, их руки в покое.

Marie-Guillemine Benoist, Portrait d’une négresse (Portrait of Madeleine), 1800

Одна из самых посещаемых и известных картин в галерее, другая находится в тихом уголке в противоположной части дворца. «Портрет негритянки» празднует отмену рабства в колониях, несмотря на то что ее подданные обнаженные груди, что может указывать на континуум другого вида рабства. В отличие от этого изображения, мы видим картину Леонардо как потенциальный портрет брака, который никогда не покидал свою студию. Это маловероятное сопоставление картин дает нам представление об отношении людей к коллекционированию искусства. Если взять в качестве примера картину «Трибуна Уффици» Иоганна Цоффани / «The Tribuna of the Uffizi», Johan Zoffany/ выполненную по заказу Королевы Шарлотты /Queen Charlotte/ в XVIII-ом веке, то она показывает нам специальную шестиугольную комнату во Дворце Уффици во Флоренции.

Johan Zoffany, The Tribuna of the Uffizi, 1772-8

На картине мы видим, как работы эпохи Возрождения вешаются в «салонном стиле» — в ряды, покрывая стены, — и гостившие Гранд-туристы, которые обсуждают основные моменты. Цоффани настолько дотошен, что мы можем даже определить картины Рафаэля /Raphael/, Гольбейна /Holbein/ и Рубенса /Rubens/ и даже узнать, какие из них обсуждаются публикой. Эта работа говорит нам о разнообразии художественных стилей и тематики. В противоположность этому картина Питера Дейвиса /Peter Davis/ представлена в формате списка покупок, к которому он добавляет несколько личных комментариев в виде зашифрованных комментариев.

Peter Davis, The Fun One Hundred, 2001

Оба примера исследуют совершенно разные способы создания картин, поэтому способ их наблюдения меняется во времени, и это также, в результате этого, меняет способ создания современного и концептуального искусства и его восприятие. С этой целью концептуальный художник Марсель Дюшан /Marcel Duchamp/ утверждал, что существование произведения искусства зависит как от художника, так и от зрителя. А для того, чтобы концептуальное искусство, например, существовало, зрители должны быть знакомы с его символами и методами, а также с тем, как художник выражает свою визию.

Итак, вот почему есть несколько способов взглянуть на картину, которые нужно уточнить, сначала исследуя форму, среду, материалы, композицию, стили и приемы, символы и т.д., а после этого различные темы картин, а именно портретную живопись, натюрморт, пейзаж и абстракция.

Мы начнем с обсуждения форм и материалов основ и того, как они играют роль в том, как мы воспринимаем картины в нашей следующей статье.

10 полезных советов — INMYROOM

Вам знакомо такое чувство, когда вы приходите к кому-то в гости, и вроде бы все хорошо в помещении, но чего-то не хватает или смотрится интерьер как-то неуютно? Такие ассоциации могут возникать даже в том случае, когда в доме или квартире неправильно размещены фотографии, картины, или их вовсе нет.

Но, если эти предметы декора грамотно подобрать, то они способны не только поднимать настроение. С их помощью можно визуально сделать пространство шире или выше. 

Например, вертикальные фото и картины создают иллюзию высокого потолка, а горизонтальные способны визуально расширять комнату.

Какие приемы помогут эффектно разместить настенный декор?

1. Наиболее выигрышно смотрятся фотографии и картины, размещенные над изголовьем кровати и дивана.  Чтобы они не выбивались из общего фона, лучше выдерживать их в едином стиле с интерьером. Также хорошо, когда они не выходят за рамки мебели, над которой находятся.

2. Сейчас ещё модно размещать их по одной оси (горизонтально или вертикально). Композиции можно формировать по цвету, сюжетам, материалам.

3. Любите все неординарное? Тогда можно применить хаотичное расположение, в сочетании с разными элементами декора, например, с таинственными масками или с буквами. Тогда желательно выдержать некое единство между ними и интерьером помещения.

4. Тем, кто любит постоянно что-то менять у себя дома стоит фотографии или картины размещать на узких полочках. Размеры рамок не обязательно должны быть одинаковыми. Главное, чтобы между ними был один объединяющий элемент. Пусть они будут все черно-белые с одним цветом рамок.

5. А когда эта экспозиция перекликается с предметами мебели, камином и книгами, то получается очень гармоничная обстановка.  Причем, можно постоянно обновлять и дополнять коллекцию. Такой вариант позволяет не вредить стенам в помещении. 

6. Если есть место между окнами можно его использовать для картин и фото. В гостиной комнате или на лестничном пролете гармонично смотрятся черно-белые портретные фото.

7. Очень красиво в интерьере выглядят изображения с одинаковыми размерами, паспарту и рамками. Паспарту является отличным декоративным элементом, который дает необходимую легкость произведениям искусства. С помощью цветовых оттенков можно достичь гармонии между рамой, изображением и стеной.

8. Размер картин и фото имеет значение если вы планируете сделать акцент только на одном элементе. Тут стоит прислушаться к мнению специалистов. 

Слишком большая картина визуально уменьшает комнату. А чересчур маленькая рамка с фото будет смотреться сиротливо, и наводить на окружающих тоску. 

9. В современном интерьере стало модным разделять одну композицию на части. Это поле для творчества. Главное, повесить их рядышком друг с другом на небольшом расстоянии. Называется такое оформление диптих или триптих.

10. Не обязательно они могут быть одинакового размера. Главное, чтобы они составлял единую композицию. Таким образом, можно привнести легкости и воздушности пространству. И при этом, помещение выглядит очень стильно.

Картины и фото вносят в интерьер не только красоту, но становятся частью души вашего дома и способны регулировать ваше настроение.

Уход за картинами — Шедевр

Правильный уход за масляными картинами и репродукцией (печатью) на холсте

     Картины — очень хрупкие и нежные предметы. Они нуждаются в особом уходе, который обеспечит им целостность и долговечность.

     Ведь краски на холсте, как и на любой другой ткани, имеют, к сожалению, свойство со временем блёкнуть. Также картины, написанные на холсте, могут потерять упругость. 

Как же продлить срок службы картин? 

Приобретая картину, необходимо знать, как правильно ухаживать за ней, чтобы она радовала вас долгие годы.

     Важно знать возраст картины. Новая картина нуждается в воздухе и непрямом свете. Иначе произойдёт отслоение красок. После 2 лет картину покрывают специальным картинным лаком. Кроме того, разработана инструкция по уходу за картиной, написанной маслом. Вот некоторые советы:

• масляные картины не любят прямой солнечный свет. Идеальное место для них — помещение с рассеянным освещением. Лампы накаливания также пагубно сказываются на качестве картины;
• температурные перепады воздуха «убивают» картины;
• не следует помещать картины, написанные маслом под стекло — это губительно сказывается на их качестве, так как создаётся парниковый эффект;
• со временем картина может потускнеть, потому что краски, которыми она написана, подвержены этому свойству. А чтобы вернуть им цвет, можно протереть картину льняным маслом или луковым соком;
• пыль, копоть, жир — от всего этого необходимо периодически избавляться. Картину протирают обычной влажной тряпкой, а затем аккуратно — другой тряпкой насухо. Можно и мыльным раствором, только обязательно без щёлочи.

     Печать на холсте 

     Выбирают печать на холсте, как правило, для распечатки фотографии или репродукции картины. Холст состоит изо льна или хлопка, и сверху покрывается специальным составом либо синтетическим слоем. Благодаря этой технике качество картины ничуть не уступает оригиналу. После печати рисунка холст также покрывают специальным лаком.

     Инструкция по уходу за репродукцией (печать на холсте) проста:

• печать на холсте, как и масляная картина, нуждается в абсолютно идентичном хранении касательно освещения и температуры;
• чтобы избавиться от пыли на поверхности, используют обычную кисточку или сухую тряпку – запрещается применять любые чистящие вещества и влажную очистку;
• при обвисающем холсте, на подрамнике в двух местах плотно закрепляют проволоку.  

     Как вы заметили, при грамотном уходе, картины могут радовать ваш глаз не один десяток лет!

Хочу печатать футболки с картинами художников

Помогите разобраться с законом об авторском праве. Я предприниматель, занимаюсь производством сувенирной продукции. Компания выпускает футболки и толстовки с принтами произведений искусства. Вопросов несколько.

Если автор картины умер более 70 лет назад, могу ли я использовать его картину для принта на футболке? А как зависит от местонахождения картины, например, какая-то в Третьяковке, какая-то в частной коллекции, в зарубежной галерее или вообще утеряна?

Если автор умер более 70 лет назад, нужно ли мне вообще смотреть, где хранится картина, и думать, можно ли ее использовать для производства продукции на продажу?

Если взята не вся картина, а только ее часть — не более 70% картины?

Вот конкретный пример. Рисунок Александра Дейнеки «Футбол». Автор умер менее 70 лет назад. Оригинал находится в Ивановском художественном музее. Рисунок «Футбол» сделан в 1928 году для журнала «Даешь!». Кому принадлежат права на воспроизведение — родственникам художника? Галерее? Журналу «Даешь!»?

В интернете есть разная продукция с шедеврами мировой живописи. Я сомневаюсь, что производители получили разрешение на эти принты. Какова ответственность за нарушение авторских прав?

Хотелось бы работать честно и популяризовать русскую и мировую живопись.

Благодарю за ответ. Иван.

Иван, в целом вы правы: использовать картины давно умерших художников можно без ограничений. Но есть несколько важных моментов. Во-первых, «давно» в каждой стране определяют по-разному. Во-вторых, некоторые страны предоставляют музеям особые права охраны разного культурного наследия.

Дмитрий Корнев

юрист

Для начала подробно остановимся на охране авторских прав в России.

Кому принадлежит право на рисунок или картину

Живопись, рисунки, наброски, графические рассказы, комиксы — это объекты авторского права.

Существуют исключительные авторские права — право на воспроизведение, копирование, переделку, публичный показ, трансляции в эфир и т. д. Эти права закон охраняет в течение определенного срока. Автор может передать их кому угодно еще. Для вас это значит, что договариваться об использовании произведения искусства не всегда нужно с его автором.

Еще есть неотчуждаемые права автора, которые никто, включая самого автора, не может никому передать. Например, нельзя продать право на имя автора. Никто не может заплатить наследникам Энди Уорхола, чтобы называть себя автором его картины.

После смерти исключительные права переходят по наследству или третьим лицам. Например, фондам или музеям, если у автора нет родственников или если так он написал в завещании.

ст. 1255 ГК РФ
ст. 1270 ГК РФ

Авторское право — сравнительно молодая отрасль права для России. Четвертую часть ГК РФ, которая регулирует эти вопросы, приняли только в 2006 году. В советское время авторские права упоминались в ГК РСФСР, но защитой их никто серьезно не занимался.

Сейчас охрану прав авторов времен СССР регулирует ч. 2 ст. 6 ФЗ «О введении в действие части четвертой ГК Российской Федерации». По этому закону, если между годом смерти автора и 1 января 1993 года прошло более 50 лет, то произведение считается общественным достоянием и закон его не защищает. А если меньше 50 лет, то права автора защищаются в течение 70 лет с момента его смерти.

Владельцем картины может быть музей, фонд, частный коллекционер или сам автор. Но это не всегда означает, что у владельца есть права на использование этой картины. Например, художник может продать оригинал картины в частную коллекцию, но право делать копии, печатать изображение на футболках и прочее останется у него. Многое еще зависит от законов страны, где находится произведение искусства.

Если автор или его наследники передали музею не только саму картину, но и исключительные права, то спрашивать разрешения на использование картины надо у музея.

Если же картина хранится в музее, а художник давно умер и картина стала общественным достоянием, то по российским законам исключительные права принадлежат музею. Правда, в других странах такие правила встречаются редко.

Когда произведение становится общественным достоянием

Гражданский кодекс устанавливает, что защита от использования произведения (копирования, распространения, публикации и т. д.) действует 70 лет после смерти автора или последнего из соавторов.

Срок в 70 лет отсчитывается с 1 января года, следующего за годом смерти автора. Если произведение опубликовано анонимно или под псевдонимом, то 70 лет считают с момента публикации. Если произведение опубликовали анонимно, но потом автора установили или он сам в этом признался, то снова отсчитывают 70 лет с момента его смерти.

Через эти 70 лет произведение искусства в России становится общественным достоянием. Это значит, что кто угодно может использовать его безвозмездно и ничего не платить.

За автором, разумеется, сохраняется право авторства и неприкосновенность произведения — и это бессрочно: никому и никогда нельзя выдавать себя за автора и нельзя вносить изменения в его произведения. Нельзя допечатать пару глав в «Войну и Мир» и издать книгу с этими поправками. Если перерисовать или дополнить чужую картину, это тоже могут посчитать переработкой. Без разрешения автора или правообладателя так делать нельзя.

Как использовать музейные экспонаты

В России существует путаница с законами. Для закона произведение существует сразу в двух вариантах: как объект авторского права и как экспонат музейной коллекции.

Гражданский кодекс определяет срок защиты авторских прав в 70 лет с момента смерти автора.

Закон о Музейном фонде говорит, что выпускать какую-либо печатную, сувенирную и тому подобную продукцию с изображением музейных предметов можно только с разрешения дирекции музеев.

Получается противоречие. В музеях хранятся картины художников, умерших двести, триста, а то и тысячу лет назад — намного больше, чем 70. Получается, что раз они выставлены в музее, то по закону о Музейном фонде охраняются бессрочно. А по ч. 4 ГК РФ вроде бы уже должны были стать общественным достоянием.

Суды в России до сих пор не имеют однозначной позиции по этому вопросу. Вот, например, результаты крупного судебного дела между Эрмитажем и бизнесменом, который без разрешения музея использовал картину Томаса Гейнсборо «Дама в голубом». Художник умер в 1788 году. Предприниматель использовал изображение с картины даже не для продажи, а для дизайна сайта. После трех лет судебных споров Эрмитаж выиграл дело и запретил бизнесмену использовать изображение.

Закон в основном защищает право на использование произведений в коммерческих целях. Кроме того, если музейный экспонат — это основной объект использования, его нельзя использовать без согласия и в некоммерческих целях.

По поводу рисунка Александра Дейнеки

Александр Дейнека опубликовал рисунок «Футбол» в 1928 году, а умер в 1969 году. С 1 января 1970 года по 1 января 1993 года прошло только 23 года — то есть меньше 50 лет. Значит, исключительные права на рисунок защищены с 1970 по 2040 год.

Публикация в журнале 1928 года вряд ли будет иметь значение: во времена раннего СССР автор и журнал вряд ли заключали какой-либо договор на отчуждение прав, после которого срок защиты считался бы с момента публикации.

Так как вы хотите использовать его картину для продажи сувениров, лучше попробовать получить согласие музея. Судебное дело в отношении рисунков Александра Дейнеки уже было: Курская картинная галерея имени А. А. Дейнеки взыскала с предпринимателя убытки за использование картин без ее согласия.

Что касается использования фрагмента картины или ее измененного варианта, например стилизации или коллажа, то это сложный вопрос, на который нет точного ответа.

Если картина изменена настолько, что почти не похожа на оригинал, то запретить ее использовать нельзя, но сначала это придется доказать. Но право на неприкосновенность произведения, в том числе и на сокращение, бессрочно — теоретически наследники могут иметь претензии, особенно если вы извлекаете выгоду из таких изменений.

Если автор картины иностранец или она хранится за границей

Все вышеописанное работает, только если художник или его наследники жили и живут в нашей стране, либо картина хранится в российском музее, либо автор картины гражданин России. В других странах свои законы. А еще есть и международные нормы.

Если вы захотите легально использовать картины иностранных художников, живших в 19—20 веке, то придется разбираться, как работает система авторских прав в каждой отдельной стране.

Общее правило — должно пройти минимум 25 лет с момента смерти автора. Это установлено целым рядом международных договоров, например Всемирной конвенцией об авторском праве и Бернской конвенцией об охране литературных и художественных произведений. Эти документы только дают рекомендации и устанавливают минимальные сроки охраны. Страны — участники соглашений вправе эти сроки повышать.

Если произведение уже стало общественным достоянием, то мировые музеи прямо это указывают. Иногда пишут прямо на сайтах: In public domain. Это значит, что на произведение не распространяется авторское право (copyright) и его можно спокойно воспроизводить, в том числе и печатать на футболках.

Если у вас есть вопрос о личных финансах, правах и законах, здоровье или образовании, пишите. На самые интересные вопросы ответят эксперты журнала.

Разработчики создали Shazam для картин

Василий Кандинский, «Акварель № 6», 1911 год

Новое приложение Smartify позволит пользователям узнать историю картины, просто наведя на нее камеру смартфона. Об этом сообщает портал New Scientist.

Музейные экспонаты, как правило, сопровождаются лишь краткой подписью с именем создателя и названием произведения искусства. Для того, чтобы узнать больше о скульптуре или картине, посетителю чаще всего приходится либо заказывать экскурсию, которая будет проходить по определенной программе, либо пользоваться аудиогидом, качество работы которого не всегда оказывается удовлетворительным.

В новом приложении используется технология дополненной реальности и система распознавания изображений, которая позволяет человеку моментально получить информацию о заинтересовавшей его картине. Для этого достаточно навести камеру мобильного устройства на произведение искусства, после чего на экране высветится сопровождающий текст. Особенно понравившиеся работы художников пользователи смогут сохранить в специальную галерею. При этом Smartify можно использовать и вне стен музея: приложение распознает картину, даже если она напечатана на открытке.

Smartify

В 2011 году компания Google запустила платформу Art Project, которая позволяет познакомиться с картинами известных художников в режиме онлайн. На сегодняшний день на сайте собраны экспонаты из более чем 1200 ведущих музеев и архивов, включая работы Моне, Климта, Гогена и Карр. В прошлом году Google завершила работу над камерами, которые предназначены для оцифровки картин в высоком разрешении. Они будут предоставлены музеям бесплатно.

Кристина Уласович

Картина Дональда Трампа поступает в Национальную портретную галерею

Когда Национальная портретная галерея откроется в ближайшие месяцы, в галерее президентов Америки появится новое лицо: лицо Дональда Трампа. В постоянной экспозиции представлены картины всех бывших главнокомандующих, поэтому включение портретов Трампа не является сюрпризом.

Но это сходство не будет официальным портретом Трампа — специально заказанными картинами после президентства, такими как блокбастерный портрет Барака Обамы Кехинде Уайли.Представитель музея говорит, что Портретная галерея в настоящее время ведет переговоры с Трампами о первых шагах этого процесса; весь график ввода в эксплуатацию и покраски может занять до двух лет, как в случае с Обамой. После того, как картина Обамы была представлена ​​в 2018 году вместе с портретом Мишель Обамы Эми Шеральд, они оба вызвали бурную похвалу со стороны искусствоведов и многих любителей селфи.

Стоит задуматься, какой будет атмосфера, когда официальный портрет Трампа действительно дебютирует, когда бы это ни было.Как и в случае с картинами Обамы, музей планирует провести церемонию открытия для семьи Трампа и приглашенных гостей. (Обамы присутствовали лично.) Когда придет время, соберутся ли толпы ценителей искусства MAGA в Портретную галерею, чтобы увидеть лица Трампа? Если так, то в музее говорят, что они будут рады. «Мы — беспартийная организация и понимаем, что общественное мнение существует по обе стороны забора», — сказал директор Национальной портретной галереи Ким Саджет в заявлении для Washingtonian .«Как и в случае со всеми недавними президентскими комиссиями, мы не можем делать предположений относительно того, как посетители получат портреты после завершения. В этом прелесть портретной живописи: разные люди всегда воспринимают ее по-разному ».

Пока нет сведений о том, кто на самом деле может писать портреты. Один художник, который вряд ли попадет в короткий список: Джулиан Рэйвен, художник, поддерживающий Трампа, который подал в суд на Национальную портретную галерею после того, как она отклонила одну из его огромных картин президента.(Позднее иск был отклонен.) Но Рейвен, похоже, недавно порвала с экс-президентом. После штурма Капитолия 6 января Рэйвен написала в Facebook сообщение, призывающее Трампа уйти в отставку.

Помощник редактора

Джейн — трансплантолог из Чикаго, теперь она называет Кливленд Парк своим домом. Перед тем, как присоединиться к Washingtonian, она писала для Smithsonian Magazine и Chicago Sun-Times. Она закончила Северо-Западный университет, где изучала журналистику и оперу.

Художник рисует красивые пейзажи на замусоренном мусоре, найденном в парках

«Протяни руку», акрил на хвостовой перчатке, найденной в парке, 2020.Расположение: Национальный парк Акадия, Мэн (Земля Конфедерации Вабанаки).

Вы когда-нибудь сталкивались с брошенными предметами во время прогулки по живописным местам? Что ж, педагог на открытом воздухе и художник по совместительству Мэрайя Ридинг нашла новую цель для этих ненужных предметов. Она использует свои мастерские навыки рисования, чтобы превратить мусор в потрясающие произведения искусства, которые органично вписываются в ландшафт, где он был найден.

Родом из Бангора, штат Мэн, Рединг с юных лет увлекся окружающей средой.«Бангор расположен в довольно центральном районе штата, поэтому у меня был доступ к различным национальным паркам, тропам Аппалачей и был недалеко от Канады», — рассказывает она My Modern Met. «Я выросла в окружении лесов и рек».

Ридинг заметила связь между искусством и мусором, когда брала уроки скульптуры в старшем классе Боудоин-колледжа. Вдохновленная сокращением собственных материалов, художница начала использовать найденные предметы в качестве полотен для своих пейзажных картин. Она продолжила это после окончания учебы, собирая мусор и выброшенные предметы в национальных парках по всей территории Соединенных Штатов.

«[Мое искусство] полностью импровизировано, — продолжает она. «Все это основано на том, что я обнаружил в полевых условиях. Поэтому этот проект продолжает оставаться свежим. Я не знаю, с чем я столкнусь, что делает этот проект захватывающим ». Ее серия, основанная в Национальном парке Акация, штат Мэн (Земля Конфедерации Вабанаки), включает в себя переделанную обувь Croc, шлем из пенополистирола и перчатку — все это было заброшено на природе. «Обломки дают портрет ландшафта», — добавляет Ридинг, поскольку эти предметы дают некоторое представление о том, как и почему люди находятся на этой земле.

Вы можете приобрести печатные издания и оригиналы работ Ридинг на ее веб-сайте и быть в курсе ее последних проектов, подписавшись на нее в Instagram и Facebook.

Художница и педагог на открытом воздухе Мэрайя Ридинг рисует изысканные пейзажи на найденных предметах.

«Шлем Орлиного озера», акрил на найденном шлеме из пенополистирола, 2020 г. Место: Озеро Игл, Национальный парк Акадия, Мэн (Земля Конфедерации Вабанаки).

Ее текущая серия показывает портрет современных пейзажей через переделанные предметы мусора.

«Crocs and Rocks», акрил на найденной обуви Croc, 2020 г. Место: Хантерс-Бич, Национальный парк Акадия, Мэн (Земля Конфедерации Вабанаки).

«Bald Rock Beanie», акрил на вязанной зимней шапке, 2020 г. Место: Лысый камень, парк штата Камден-Хиллз, штат Мэн (Земля Конфедерации Вабанаки).

«Штаны для пижамы на пижаме», акрил на найденных фланелевых пижамных штанах, 2020 г. Местоположение: Северо-западная тропа Пеметика в национальном парке Акадия, штат Мэн (Земля Конфедерации Вабанаки).

«Фрисби Otter Cliffs», акрил, потрескавшийся фрисби, 2019.Расположение: Национальный парк Акадия, Мэн (Земля Конфедерации Вабанаки).

«Поступайте осторожно», акрил на знаке выброшенной тропы, 2020 г. Местоположение: Национальный парк Акадия, Мэн (Земля Конфедерации Вабанаки).

«Резервуар для бобрового пруда», акрил на найденном вытянутом резервуаре с сухой посадкой, 2020 г. Местоположение: Национальный парк Акадия, Мэн (Земля Конфедерации Вабанаки).

«Большой ящик», акрил на потрескавшемся поплавковом ящике для аквакультуры, 2020 г. Местоположение: Национальный парк Акадия, Мэн (Земля Конфедерации Вабанаки).

«Штаны в огне», акрил, старые джинсы (сшиты), 2020.Расположение: озеро Эхо, национальный парк Акадия, штат Мэн (Земля Конфедерации Вабанаки).

«Trash Human (Reflection)», акрил на личном / художественном мусоре, накопленном в карантине (тюбики с краской, сломанные щетки, зубная щетка, наждачная бумага, морской мусор, бритвы, ингалятор и т. Д.), 2020. Местоположение: Национальный парк Акадия, Мэн ( Земля Конфедерации Вабанаки).

Мэрайя Чтение: Веб-сайт | Facebook | Instagram

Статьи по теме:

Художница изучает связь с прериями на протяжении всей ее жизни с помощью ярких пейзажных картин

Художница заполняет свои альбомы для зарисовок яркими пейзажами, вдохновленными Studio Ghibli Films

Воздушные пейзажи вызывают абстрактную красоту утреннего света в горах

Art Hounds: живопись и импровизация Northwood для всех возрастов

Художник Дэн Вимер из Red Wing, Миннесота, давно ценит работы Two Harbors, Миннесота., художник Дэйв Гилсвик. Гилсвик рисует сцены Нортвуда с ярко окрашенными деревьями и озерами, отражающими небо.

«Он такой подлинный, потому что он действительно рисует то, что знает», — сказал Вимер, который познакомился с работами Гилсвика, потому что оба художника работают в галерее Сивертсон в Гранд-Марэ, Миннесота. Гилсвик пишет в том, что описывает Вимер, в стиле, возникшем среди художники, работавшие в Канаде в 1920-х годах, которые имеют «коренастый, деревенский, стилизованный вид».

Вимер сказал, что умение Гилсвика рисовать зимние пейзажи вдохновляет его собственные работы.«Я не любил рисовать зиму, пока не увидел картины Дэйва, и количество красок, которые он вкладывает в зимнюю сцену, просто поражает».

«Остров пирога с лапшой»

Предоставлено DalekoArts

У Джея Мельхиора и его 4-летнего сына по субботам есть постоянное свидание, чтобы посмотреть прямую трансляцию «Острова пирогов с лапшой» от Daleko Arts в Новой Праге, штат Миннесота.

В интерактивном детском шоу его сын поет и кричит вместе с актерами. Зрителям предлагается написать свое имя в «Доске лапши» — чате YouTube — и это позволяет капитану Лару, которого играет создательница шоу Лорен Андерсон, называть детей по имени во время шоу.

Приключение включает время изготовления поделок, включенных в приключение. Как учителю специального образования, Мельхиору нравится, как в сериале реализовано социально-эмоциональное обучение, в том числе в эпизоде, посвященном благодарности. Предыдущие выпуски «Острова пирогов с лапшой» доступны на YouTube.

Чтобы смотреть шоу вживую по субботам в 11 часов утра, зарегистрируйтесь в Daleko Arts через их серию «Домашнее вторжение».

Бутч Рой, исполнительный директор HUGE Improv Theater, рекомендует посещать группу Blackout Improv в любое время, когда у вас есть шанс, и следующий шанс — в пятницу.

Blackout — это полностью черная комедийная труппа из городов-побратимов, и, как и многие исполнители, они перенесли свои шоу на Zoom, чтобы продолжить взаимодействие с аудиторией.

Хотя импровизированное шоу по самой своей природе каждый раз разное, Рой сказал, что их выступления неизменно «задушевны, забавны и своевременны». Он видел, как актеры-импровизаторы реагировали на момент увлекательными социальными комментариями и юмором.

Примечание редактора: Дензел Белин, сотрудник MPR News, является участником Blackout Improv, но не участвует в показе выше.

Вы делаете новости MPR возможными. Индивидуальные пожертвования лежат в основе ясности освещения событий нашими репортерами по всему штату, историй, которые нас связывают, и разговоров, которые раскрывают перспективы. Помогите сделать так, чтобы MPR оставался ресурсом, объединяющим жителей Миннесоты.

Сделайте пожертвование сегодня. Подарок в 17 долларов имеет значение.

«Я не хочу симулировать фанк» — Генри Тейлор, художник черной американской жизни | Картина

«Другие люди смотрят; Тейлор видит ». Так Зэди Смит оценила американского художника Генри Тейлора. Через тридцать секунд после разговора с ним в Zoom я начинаю понимать, что она имела в виду, когда он радостно разбирает обстановку в моей комнате. «О, у тебя там гитара?» он говорит. «Что ты собираешься делать, сыграть мне песню?» Затем, заметив лозунг на моей кепке, он смеется и говорит: «Я не могу быть свободным и легким… спокойным». Внезапно мне стало интересно, что еще имеется в виду.

Можно подумать, что это художник, пробующий не столь тонкую тревожную тактику в начале интервью. Но Тейлор слишком непосредственен для чего-либо подобного.Вопрос о том, что его интересует в данный момент, вызывает ответ, который быстро ломает его художественное мировоззрение и дает представление о том, как работает его ум. «Я восприимчива, понимаете, о чем я? Я чувствительный человек. Я отвечаю на вещи. Я чутка. Я не пытаюсь быть хардкорным, я не хочу симулировать фанк. Я просто старался, чтобы это было правдой, братан. Если я хочу сесть и нарисовать тебя, я тебя нарисую ».

Спустя несколько мгновений он перешел к своей любви к «Битлз», которыми он был одержим в детстве, и к тому, как эта мысль привела к картине с изображением Чака Берри.«Я начал думать, кто повлиял на англичан? Не было бы Rolling Stones без Мадди Уотерс — понимаете, о чем я? Я нарисовал Чака Берри, чтобы вы знали: не запутайтесь ».

Тейлор специализируется на поиске и, с помощью своих образных образных картин, запечатлевает афроамериканскую жизнь, вплетает воспоминания, историю и сцены из повседневной жизни в воображаемые реальности, будь то легкая крутизна Майлза Дэвиса и Сисели Тайсон, телепортированных в Белый дом, чтобы посетить Обамы, или бомж в Лос-Анджелесе.К обоим относятся с одинаковым уважением. Его подданные могут прийти откуда угодно. Он рассказывал истории о том, как просил людей сесть вместо него после того, как наталкивался на них в очереди в McDonald’s или супермаркете. Критики говорят, что в его работе всегда присутствует сочувствие, которое, по мнению Тейлора, исходит от его воспитания. «У моего двоюродного брата был дом на полпути, где у людей были бы проблемы с психикой, — говорит он, — а моя мама никогда ни с кем не обращалась плохо. Я просто так вырос. Я просто трахаюсь со всеми. Evvvverybody ».

Такой подход окупился.62-летний Тейлор стал неожиданной звездой мира искусства, когда ему за 40. Его образы «черных ангелосов в повседневных обстоятельствах» принесли ему множество знаменитостей, от Рианны до хип-хоп продюсера, ставшего коллекционером произведений искусства Свиц Беатц, а также Jay-Z, которому Тейлор посвятил свою работу. В 2020 году искусствовед из New York Times Роберта Смит поставила Тейлора во главе авангарда чернокожих художников, включая Кара Уокер, Микален Томас и Рашида Джонсона. Неплохо для того, чей первый показ в Нью-Йорке тот же критик назвал «слишком старомодным и повсеместным».

Восхождение Тейлора к известности было запутанным. Его отец работал художником в правительстве США, а мать была уборщицей; работы, которые он видел в домах, где она работала, были одними из первых его воспоминаний о картинах. В детстве в Окснарде, к западу от Лос-Анджелеса, учитель английского познакомил его с работами Дега и Ренуара и сказал, что однажды он сможет это сделать. Но Тейлор годами пытался, чтобы к нему относились всерьез: «Многие галереи, которые говорят, что смотрят на меня 20 лет, — это гребаная ложь.Это было постепенно. Я знал, что мой учитель не солгает мне — у меня всегда была эта надежда ».

Во время изоляции Тейлор сменил родной Лос-Анджелес на сельский Сомерсет. Когда мы говорим, он находится в резиденции в студии Хаузера и Вирта в Брутоне. В его аккаунте в Instagram, который позволяет заглянуть за кулисы его жизни, часто есть селфи с его знаменитыми фанатами, есть кадры, на которых этот калифорнийец открывает для себя радость катания на санках.«Позвольте мне сказать вам кое-что — эта земля была твердой. Я не попал туда ».

Катание на санках могло бы быть проблемой, но у художника есть игривость подростка, когда он говорит, и он исчерпывающий энтузиазм. Я спрашиваю его о концерте Боба Марли, который он посетил, когда ему было чуть за 20, и в течение пяти минут меня потчевали историей о том, как он пробрался за кулисы и пообщался с самим Марли. «Я села рядом с ним, и он тоже ни хрена не сказал. Посидел там 20 минут, потом он открыл глаза, и мы разговаривали около 45 минут.Это действительно сильно изменило мою жизнь ».

Через несколько минут Тейлор уходит в другую сторону, когда замечает обручальное кольцо на моем пальце и спрашивает, есть ли на горизонте ребенок, который там есть. «У меня сам родился ребенок», — говорит он с гордостью. «Четыре месяца». Он имеет в виду свою дочь Эпик. По его словам, семья важна для него, когда он планирует свою большую семью.

Его старший брат был профессором социологии, второй по старшинству уехал во Вьетнам, в итоге получил докторскую степень по религии и стал министром.Третий старший брат, Гершель, был застрелен в день своего рождения и умер 10 лет спустя. Его сестра Анна Лаура умерла от рака. Его брат Рэнди был отличником, который начал отделение Черной Пантеры в Окснарде, проведя время в Окленде. Его брат Джони Рэй получил ожоги по всему телу. Потом его сестра Эвелин и, наконец, Генри. «В моей семье восемь человек, и я последний. Я Генрих Восьмой », — говорит он, прежде чем сказать мне, что одна из работ, которые он закончил в« Брутоне », была автопортретом его самого в образе Генриха V.

Интерес Тейлора к людям выходит далеко за рамки их самих как субъектов. В час, когда мы разговариваем, он обсуждает беседу со своим массажистом, которая затрагивает воспоминания о том, как он читал письма своего старшего брата из Вьетнама. В Брутоне он столкнулся с женщиной, которая начала рассказывать ему теорию заговора о Билле Гейтсе и Covid-19. Он рассказывает мне о разговоре со своим братом Рэнди, который путешествовал по далекому югу Америки и увидел наклейку на бампере, на которой было написано: «Я не мог найти оленя, поэтому я застрелил себя негра.Это вдохновило его на создание скульптуры, которая является частью его выставки в Брутоне.

Он показал это коллеге-художнику Кехинде Вили. «Он сказал, что это жутко. Черт, да, на юге жутковато. Я написал своему брату: «Рэнди, если бы не ты, я бы не сделал эту скульптуру. Он ударил меня прямо здесь, в самое сердце, братан ». Он сдерживает слезы. «Я считаю свои благословения — я просто хочу чертовски хорошо работать».

Эмоция становится понятной, если учесть путь Тейлора к этому моменту.Пытаясь добиться успеха как художник, он десять лет работал техником-психиатром. В свободное время он рисовал, и опыт, который он получил на работе, просачивался в его холсты. Тейлор разговаривал и рисовал бездомных в печально известном районе Скид-Роу в Лос-Анджелесе. «Я знаю, что все не наркоманы», — говорит он. «Некоторые люди могут быть избиты законом. Я очень сочувствую этим людям, потому что встречал в больнице порядочных людей. У них может быть момент, но у всех нас бывают чертовы моменты.”

Выставка Генри Тейлора находится в Hauser & Wirth, Bruton, Somerset, сейчас онлайн и на месте с 13 апреля по 6 июня. Галерея откроется 13 апреля с возможностью бронирования временных интервалов.

Эми Шеральд находит красоту в мирских моментах черной жизни

Эми Шеральд начала экспериментировать со своим фирменным стилем — рисовать черных людей в сером монохромном — примерно в 2008 году. В то время она работала в своей студии в Балтиморе и рисовала людей, верных их цвет лица, когда другой художник предложил ей рисовать фигуры в оттенках серого, чтобы ускорить художественный процесс.

Это стало эстетическим выбором, который со временем стал популярным. Начиная со своей работы «Равновесие» 2012 года, Шеральд рисовала только чернокожих людей, часто на ярком фоне или в ярких нарядах. Но сами люди — включая ее самого известного портретиста, бывшую первую леди Мишель Обаму — серые.

Со временем 48-летняя Шеральд поняла, что решение интерпретировать богатую сложность черной кожи в серых тонах может быть ответом на маргинализацию черного искусства — «разговоры и дискурсы вокруг и только исключительно об идентичности», она сказал.«Я хотел, чтобы он существовал в мире более универсальным образом».

«Я не пытаюсь исключить гонку из работы», — добавил Шеральд. «Я просто пытался придумать способ не делать это самым заметным».

Sherald’s 2020 картина маслом на холсте «Вдали от океана».

(Эми Шеральд, Хаузер и Вирт)

Шеральд, которая сейчас живет в районе Нью-Йорка, недавно представила картины на своей первой персональной выставке на Западном побережье, которая будет проходить до 6 июня в Hauser & Wirth в Лос-Анджелесе.В «Великом американском факте» представлены пять картин 2020 года, посвященных обычной жизни Блэка. На одной картине размером примерно 11 футов на 9 футов изображены два черных серфера на пляже в гидрокостюмах.

На портретах Шеральд часто изображены люди, которых она встречает на публике. Она замечает искру, что-то, «что на самом деле, вероятно, вижу и чувствую только я, люди, которые имеют вес в своей энергии и духе», — сказал Шеральд. «Обычно в них есть что-то немного неловкое и причудливое, что действительно заставляет меня думать, что я хочу преследовать их и превратить их в картину.

Sherald начала две работы до пандемии. Она нашла модель на своей картине размером 54 на 43 дюйма «Надежда — вещь с перьями (Маленькая птичка)» на сцене американского театра танца Элвина Эйли.

Когда общенациональные закрытия и карантин вынудили людей внутри в прошлом году, Шеральд обратился к Instagram, просматривая хэштеги и используя шесть степеней разделения, чтобы найти новое вдохновение. В социальных сетях она нашла женщину на своей картине «Сон в летнее время», которая, кажется, непринужденно позирует на фоне желтого велосипеда в голубом платье.

«Моя работа не обрекает Черных на горе», — сказал Шеральд. «Есть предположение, что вся черная жизнь неразрывно связана с борьбой. Я думаю, что это становится всеохватывающим и действительно может систематизировать наше существование и весь наш опыт ».

Sherald’s 2020 Картина маслом на холсте «Полдник в летнее время».

(Эми Шеральд, Хаузер и Вирт)

Вместо того, чтобы рисовать то, что она называет восклицательными знаками и точками — «когда есть потеря жизни, ставится точка в конце предложения», — пояснила она, — Шеральд видит, что ее работа представляет собой «черту» жизни, то, что внутри между моментами повседневной жизни.«Я чувствую, что возвращаю нас на законное место, которое находится во всех наших природных элементах, как полноценный человек».

Шеральд родилась в городе Колумбус, штат Джорджия, и получила степень бакалавра живописи в университете Кларка Атланты и степень магистра в колледже искусств Мэрилендского института. После получения первого приза на конкурсе портретов Outwin Boochever 2016 года Смитсоновская национальная портретная галерея поручила Шеральду сделать официальный портрет бывшей первой леди, который был представлен в 2018 году.

Ее второй заказ поступил прошлым летом от журналиста Та-Нехиси Коутс, который попросил ее создать портрет Бреонны Тейлор, 26-летней чернокожей женщины, убитой полицией в ее квартире в Луисвилле, для обложки Vanity Fair. Шеральд провела время, разговаривая с матерью Тейлора, Тамикой Палмер, чтобы лучше понять личность своей дочери, создав картину, которая сделала Тейлор изящной и царственной.

Картина Тейлора Шеральда будет совместно принадлежать Смитсоновскому национальному музею истории и культуры афроамериканцев в Вашингтоне, округ Колумбия.C., и Музей скорости в Луисвилле. «Мне нужно было найти учреждение, которое будет хорошим распорядителем этой работы и поместить ее жизнь на этой картине в контекст, в котором она могла бы продолжать рассказывать историю», — сказала Шеральд.

Картина Эми Шеральд, изображающая Бреонну Тейлор, на обложке Vanity Fair.

(Эми Шеральд / Vanity Fair)

Музейные помещения важны для знакомства с опытом Блэков. «Многие люди действительно не имеют представления о том, кто мы и как живем», — сказал Шеральд.«Мы живем очень скучной жизнью, как и все остальные».

Она сослалась на группу чернокожих учеников средней школы, которые заявили, что столкнулись с расизмом со стороны сотрудников и посетителей Музея изящных искусств в Бостоне в 2019 году.

«На них смотрели и заставляли [чувствовать], как будто они этого не сделали. — сказал Шеральд. «Я думаю о таких работах, как моя, которые были бы в таких местах, и о том, что это могло бы дать представление не только о белых зрителях, которые были в галерее, но и о чувстве собственности, которое были бы у этих черных детей.”

Недавно она была отмечена в Instagram-посте, который вызвал у нее слезы.

Кто-то сфотографировал ее картину «Американка, как яблочный пирог», увеличив детализацию волос мужчины и написав: «Я никогда за всю свою жизнь, занимающуюся искусством, с подросткового возраста до настоящего времени, не видел, как волны кисти моя юность увековечена на холсте с такой заботой, нюансами, любовью + уникальным пониманием ».

Фрагмент картины Шеральда 2020 года «Американец, как яблочный пирог».

(Эми Шеральд, Хаузер и Вирт)

Шеральд испытывает ностальгию, думая о том, как ее отец так укладывал волосы, создавая гладкие волны с помадой и тщательной расчесыванием.

«Красота этого простого, повседневного, скучного, банального действия — часть нашей культуры», — сказал Шеральд. «И часть нашей культурной истории».

Эми Шеральд, «Великий американский факт»

Где: Hauser & Wirth Los Angeles, 901 E.3rd St.

Когда: 11: 00-18: 00 Со вторника по воскресенье, по 6 июня. Назначение на просмотр обязательно в будние дни; дежурная линия по выходным.

Вход: Бесплатно

Информация: www.hauserwirth.com

картин на продажу | Купить картины Fine Art Online

Изучите широкий выбор оригинальных картин, выставленных на продажу или доступных для аренды. Демонстрируя современное искусство некоторых из самых интересных художников, работающих сегодня, наша тщательно отобранная подборка включает в себя все, от картин маслом до акварели, от пейзажей до акриловых картин. Просмотрите нашу онлайн-коллекцию и откройте для себя новые картины, идеально подходящие для вашего дома.

Купить картины современного изобразительного искусства

Воспользуйтесь нашими фильтрами, чтобы найти картины в различных медиа и стилях художников из Великобритании и со всего мира. Ищете ли вы яркие работы Котаро Мачиямы, нежные акварельные пейзажи Тоу Тоа, смешанные портреты животных Луизы МакНота или что-то среднее, у нас есть что-то для коллекций произведений искусства всех типов.

Мы храним уникальную коллекцию картин. Мы не только предлагаем произведения искусства, воплощающие передовые эксперименты в живописи, такие как сюрреалистические произведения Майкла Тирни, смешанные в технике, но и с гордостью представляем ряд художников, черпающих влияние из далеко идущей истории.Эндрю Крейн и Филип Тайлер черпают вдохновение в экспрессионизме 20-го века, в то время как Та Бирн и Стелла Капезану используют более традиционные изобразительные техники, чтобы побудить нас еще раз, глубже взглянуть на их реальные и воображаемые предметы.

Узнайте больше о наших художниках здесь.

История современной живописи

Хотя живопись была развлечением для людей на протяжении всего нашего существования, абстрактные и концептуальные произведения искусства, которые мы сейчас рассматриваем как вневременные примеры этой практики, относительно современны.Вплоть до 20 века художники ориентировались исключительно на репрезентативные изображения: натюрморты, портреты или естественные и религиозные сюжеты. Мы видим эту тенденцию в той или иной степени в творчестве Моне, Ван Гога и других эпохальных художников. С тех пор художники проверяют пределы среды, экспериментируя с расширяющимся диапазоном средств массовой информации и сюжетов. Тенденция к геометрическим абстрактным картинам, например, простирается от пионеров, таких как Мондриан и Мартин, до современных художников, таких как Хетти Хаксворт и Криспин Холдер.Художники, которых мы отбираем вручную, находятся в авангарде развития искусства 21 века.

Живопись долгое время считалась средством общения, хотя и более легким и косвенным, чем устная или письменная форма. Эдвард Хоппер однажды заявил: «Если бы вы могли сказать это словами, не было бы причин рисовать». Это все чаще происходило с появлением новых стилей и методов рисования, которые раздвигают границы представления, от импрессионизма до сюрреализма и экспрессионизма. Каждое из наших произведений искусства было выбрано потому, что оно передает в своих нюансах нечто, недостаточно осязаемое, чтобы передать его другими способами — от прямо репрезентативного до абстрактного и концептуального.

Узнайте больше в нашем путеводителе по живописи.

Картины

Посмотреть все Картины

Коллекция картин Национальной галереи искусств, как и сам музей, началась с Эндрю У. Меллона (1855–1937). Когда в 1941 году Национальная галерея открылась для публики, там была представлена ​​121 картина старых мастеров, которую Меллон подарил народу. Хотя коллекция Меллона, возможно, была небольшой, сами картины были выдающегося качества и включали важные работы итальянских, ранних нидерландских и немецких, голландских, фламандских, французских и британских художников.

Вдохновленный примером Национальной галереи в Лондоне, Меллон надеялся, что его дар привлечет другие дары не менее важного значения. Это желание принесло плоды в 1942 году, когда в дар была передана коллекция Петра А. Уайденер (1834–1915) и его сын Джозеф Э. Уайденер (1872–1943). Многие из картин Уайденера были приобретены в конце 19-го века, и коллекция имеет сплоченный характер, который отражает вкус того периода, отдавая предпочтение итальянскому Высокому Возрождению, голландскому и фламандскому искусству 17-го века и британскому искусству 18 и 19 веков.

Третья крупная коллекция, которая составила основу фондов Национальной галереи, была получена от Сэмюэля Х. Кресса (1863–1955), благотворительность которого продолжил его брат Раш Х. Кресс (1877–1963). Большая часть коллекции Кресса составляет почти энциклопедический сборник итальянских картин, датируемых 14-18 веками, но также включает испанские, французские, немецкие и ранние нидерландские картины. Кресс начал дарить картины еще в 1939 году, но большинство из них попало в Галерею в 1950-1960-х годах.

Еще одним дополнением и повышением статуса Национальной галереи как художественного музея мирового класса стал подарок в 1963 году от Честера Дейла (1883–1962) французских импрессионистов, постимпрессионистов и художников Парижской школы. Дети Эндрю Меллона, Айлса Меллон Брюс (1901–1969) и Пол Меллон (1907–1999), продолжили традицию своего отца, первоначального благотворителя-основателя Галереи, жертвуя не только средства на приобретение, но и важные работы из своих собственных коллекций.

Хотя эти участники являются одними из самых известных, коллекция картин с момента ее основания пополнилась за счет множества щедрых завещаний и пожертвований.Следует также отметить, что в Галерее находится одна из лучших коллекций американской живописи в Соединенных Штатах, с работами всех жанров с 18 по 20 век.

Некоторые приобретения совершаются путем покупки на основании экспертных рекомендаций кураторов Галереи, но важно отметить, что такие покупки совершаются за счет средств, специально предназначенных для приобретения произведений искусства. Хотя федеральное правительство отвечает за техническое обслуживание и базовую работу Галереи, приобретение произведений искусства поддерживается частным сектором.