Картины в стиле: Стили и направления живописи

Стили и направления живописи

Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. У нас вы можете заказать портрет по фотографии на холсте.

(произошло от лат. abstractio – удаление, отвлечение) – направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944),

(произошло от фр. avant-garde – передовой отряд) – совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.

Академизм

(от фр. academisme) – направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико

(от англ. action art – искусство действия) – хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Наиболее известный представитель акционизма – Джексон Поллок.

(аля прим) (произошло от итал. alla prima – в первый момент) – разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.

(произошло от франц. empire – империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам.

(произошло от лат. animal – животное) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.

(произошло от лат. applicatio – прикладывание) – способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.

(от греч. ana – обратно и hronos – время), другое название – гиперманьеризм – одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.

(от англ. underground – подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.

(от ит. arte povera – бедное искусство) – художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности.

(от фр. art nouveau, буквально – новое искусство) – распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

Арт деко

(от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является

Техника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть – прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.

(произошло от итал. barocco – странный, причудливый или от порт. perola barroca – жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) – художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

(от нем. biedermeier – простодушный, обывательский) – направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах.

(произошло от фр. bataille – битва) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.

(жанровая живопись) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.

(от лат. vanitas, букв. – «суета, тщеславие») – жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.

жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи – венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцы

(от итал. il verismo, от слова vero – истинный, правдивый) – реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являютсяДж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка,Дж. Аббати и др.

 или

вид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.

ФОТОРЕАЛИЗМ, СУПЕРРЕАЛИЗМ – стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.

(архитектурный пейзаж) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.

(произошло от итал. gotico – непривычный, варварский) – период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

 искусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.

(произошло от фр. grisaille, от gris – серый) – вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.

(произошло от фр. dadaisme, dada – деревянная лошадка; в переносном смысле – бессвязный детский лепет) – модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968),Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).

живопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.

(от франц. division – разделение), пуантилизм – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле:Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.

(от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.

стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником этого стиля считается Караваджо. Караваджо оказал огромное влияние на развитие европейской реалистической живописи.
Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Для караваджизма характерны: демократизм художественных идеалов; интерес к непосредственному воспроизведению натуры; драматизация изображения с помощью контрастов света и тени; стремление передать ощущение осязаемой материальности предметов; крупные планы; монументализация жанровых мотивов; бытовая трактовка религиозных и мифологических сюжетов.

 кич (от нем. kitsch – безвкусица) – термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч – разновидность постмодернизма. Китч – это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

(произошло от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.

(от фр. cloison – перегородка) – термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в  витражах свинцовыми перегородками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени. Эта манера письма разработана Эмиль Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г.

направление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.

(от греч. kosmos – организованный мир, kosma – украшение) – художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

(от фр. cubisme, произошло от cube – куб) – модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово “кубисты” было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).

направление в искусстве авангарда в начале ХХ века, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов.
Самые известные художники кубофутуризма: Казимир Малевич,Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.

ПОП-СЮРРЕАЛИЗМ (от англ. lowbrow – малообразованный, непритязательный) – направление в изобразительном искусстве, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-х годов. На становление лоуброу арта повлияли панк-музыка, поп-искусство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Пэнтер, и художники Гэри Байсмэн и Тим Бискуп.)

живописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.

(от итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.

(произошло от греч. meta – между, после, через и геalis – вещественный, действительный) – реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола – способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Мизерабилизм

(от фр. miserable – несчастный) – направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире. Основоположником мизерабилизма считается Франсис Грюбер.

Минимализм

(произошло от англ. minimal art – минимальное искусство) – художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер,У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.

Модерн

(произошло от фр. moderne – новейший, современный) – cтиль в европейском и американском иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Модерн переосмысливал и стилизовал черты искусства разных эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa – oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, напоминающих pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).

Модернизм

(произошло от итал. modernismo – «современное течение») – общее название направлений искусства и литературы конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.

Натюрморт

(в переводе с фр. – мертвая, неодушевленная натура) – это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта – фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.

Наив, наивное искусство

изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.

Натурализм

(произошло от лат. naturalis – природный) – направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.

Неоклассицизм

Де Стиль – термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв., которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие “вечные” эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)

Неопластицизм

одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение “Стиль”. Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к “универсальной гармонии”, выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

Неореализм

художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.

Неоэкспрессионизм

направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

 (произошло от фр. nu – нагой, раздетый) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.

(от англ. ор art, сокращение от optical art – оптическое искусство) – неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и “парения” форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

(от фр. orphisme, от Orpһée – Орфей) – направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне,Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.

(искаженное лат. persona – личность, особа) – первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие парсуна в значении произведения переходного периода от иконописи к светской портретной живописи предложено И.М. Снегирёвым в 1854 году.

Пастораль

(произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) – жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.

Примитивизм

стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив – живопись непрофессионалов, а примитивизм – стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.

Поп-арт

(произошло от англ. popular art – популярное, общедоступное искусство или от pop – отрывистый звук, лёгкий хлопок) – буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект – неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта – сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.

(произошло от фр. слова portrait) – это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.

Постимпрессионизм

(произошло от фр. postimpressionisme, от лат. post – после и импрессионизм) – совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра,Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.

Постмодернизм

(произошло от фр. postmodernisme – после модернизма) – новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.

Прерафаэлитизм

(произошло от англ. pre перед и raphaelitism – Рафаэль) – эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Проторенессанс

(произошло (от греч. protos – первый и фр.Renaissance – Возрождение) – переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.

Пуантилизм

(дивизионизм) (произошло от фр. pointiller – писать точками) – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).

Пуризм

(от фр. pur – чистый) – направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Это течение было создано французским художником Амеде Озенфаном и архитектором Ле Корбюзье в 1918 году с написанием ими художественного манифеста «После кубизма». Идеальной пропорцией в пуризме рассматривается золотое сечение и отвергается декоративность и манерность.

Реализм

(произошло от лат. геalis – вещественный, действительный) – направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.

Рококо

(происходит от фр. rococo, rocaille) – стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Романтизм

(произошло от фр. romantisme) – идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 – начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка – разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).

Иппический жанр

(произошло от греч. hippos – лошадь) – жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.

Исторический жанр

 жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.

(произошло от итал. capriccio, буквально – каприз, прихоть) – архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.

Марина

МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ  (произошло от фр. marine, итал.marina, от лат. marinus – морской) – жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра – И.К.Айвазовский (1817-1900).

Сентиментализм

(произошло от лат. sentiment – чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.

Символизм

(происходит от фр. symbolisme) – одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.

(от англ. street art – уличное искусство) – искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.

Материал подготовлен студией Art-Spb

панно для интерьера, современные модульные и обычные картины, постеры в стиле модернизм

На сегодняшний день модерн является одним из популярнейших стилей в живописи. Картины, написанные в данном направлении, очень ярки и эмоциональны, на них хочется смотреть, и они никогда не надоедают. Главное – подобрать правильный сюжет и тематику, чтобы покупка удачно перекликалась с интерьером. В данной статье рассмотрим ключевые особенности стиля, его мотивы, а также тонкости выбора и размещения картин в помещении.

Особенности

Модерн появился в конце XIX века и стал переломным этапом в искусстве. Многие живописцы отказались от старых стереотипов, начали открываться навстречу новому, неизведанному, пробовать разные формы, линии, другие комбинации цветов. В картинах широко использовались элементы искусства Древней Греции, Китая, Франции. На первом месте была целостность композиции. Одним из самых известных художников, писавших в стиле модерн, был Поль Гоген.

Как известно, модерн охватывал не только живопись, но еще и архитектуру, внешнюю и внутреннюю отделку зданий. Если говорить о таком интерьере, можно отметить несколько ключевых черт:

• применение натуральных материалов в отделке;
• определенная нюдовая гамма с яркими акцентами;
• отказ от прямых и строгих линий.

Поскольку дизайн помещения предполагает светлые пастельные тона, то его нужно разбавить сочностью и насыщенностью – это первое правило создания комфортной обстановки. Яркими пятнами как раз и послужат картины в стиле модернизм. Их особенности будут такими:

• наличие асимметрии;
• эмоциональность;
• изображения, отличающиеся сложностью и требующие задуматься;
• большие цветовые плоскости;
• символика линии и цвета;
• стремление к орнаментальности;
• использование восточных мотивов (не всегда, но довольно часто).

Стиль модерн имеет несколько разветвлений, и каждое из них характеризуется своими чертами. Например, ар-нуво является одним из наиболее ярких, цепляющих взгляд. В таких картинах четко видна динамика, широко применяются растительные мотивы. В кубизме мы можем с другой стороны посмотреть на геометрические фигуры – здесь художники пытаются передать красоту линий. Меньше всего распространен фовизм, где живописцы пишут по наитию, увлекаемые сиюминутным порывом.

Подобные картины довольно часто выглядят примитивно, поскольку пишутся очень быстро.

Виды

Украшение помещения картинами практикуется с древних времен, и это всегда считалось показателем достатка. Как и любые другие полотна, картины, написанные в стиле модерн, имеют несколько разновидностей. Рассмотрим самые распространенные.

• Одиночные полотна. Подойдут для небольших помещений либо могут идти в комбинации с другими картинами схожего сюжета. Наиболее часто для одиночных полотен выбирают такие сюжеты, как абстракция, пейзаж, изображение города, животных. Довольно популярны и портреты.

• Модульные картины. Они считаются новинкой, но уже полюбились всем за свою уникальность. Модульные картины состоят из нескольких полотен, которые плавно сливаются в одну сценку. При этом между каждым полотном выдерживается небольшое расстояние. Очень красиво в таких картинах будут выглядеть цветы, город, абстракция, изображения людей в движении.

• Постеры. У многих людей постеры зачастую ассоциируются с хлипкими бумажками, наклеенными на стену в подростковых комнатах и изображающими знаменитостей. Это не совсем так, ведь современный постер, сделанный на качественной бумаге, способен украсить интерьер не хуже написанной маслом картины. Постеры на фотобумаге очень долговечны, а сюжеты они могут иметь разные: слоганы, абстракции, фотографии, оформленные под живопись, изображения животных, природные и растительные мотивы.

В стиле модерн очень популярен такой вид искусства, как создание панно. Панно представляет собой большую картину, зачастую сделанную своими руками или на заказ. Она может быть выполнена из дерева, керамики, мозаики, вышита на холсте нитками.

Где разместить?

Полотна в стиле модерн могут размещаться в разных комнатах:

• гостиной;
• спальне;
• кухне;
• прихожей.

Приобретя полотно, важно правильно подобрать для него место, а еще лучше – сделать это заранее.

Учитывать нужно несколько моментов.

• Освещение. Если картина будет теряться в тени, то она не произведет ожидаемого эффекта. Необходимо, чтобы на нее падал свет, но не так, чтобы создавались слепящие блики. Кроме того, прямые лучи солнца могут со временем испортить холст. Лучше выбрать точечное освещение или бра в нужной зоне.
• Создание пространства. Если это не модульные работы, то вокруг них должно быть много места. Стена может стать новой «рамой» для картины, и это будет выглядеть эффектно. Если же планируется разместить на одной стене несколько картин, то между ними должно быть выдержано одинаковое расстояние, и они не должны сливаться по сюжету.
• Угол обзора. Старайтесь, чтобы картина находилась на уровне ваших глаз. Полотна, размещенные слишком низко или высоко, будут подсознательно вызывать дискомфорт.
• При размещении картин разного размера следует выбрать самую большую и поместить ее в центр композиции. Остальные модели должны быть асимметрично расположены вокруг главной.
• Размещение картины в комнате должно идти по принципу контраста. Например, если вы повесите светло-серую картину на такую же стену, она будет просто потеряна для окружающих. Необязательно, чтобы контраст был кричащим, главное, чтобы не сливались цвета. Также есть еще один секрет: если вы хотите на стену темных тонов повесить темную картину, купите для нее светлую рамку, и наоборот.

Теперь дадим еще несколько советов:

• если повесить картины в ряд горизонтально, помещение будет казаться просторнее;
• вертикальное размещение сделает выше потолки;
• красиво смотрятся картины, расположенные в виде квадрата или вытянутого прямоугольника;
• никогда не вешайте полотна в порядке от меньшего к большему или наоборот – это уже давно считается моветоном;
• лучшим фоном для картин в стилистике модерна считаются светлые стены;
• центр комнаты – наиболее оптимальное место для того, чтобы повесить там одну картину или несколько полотен.

Красивые примеры

Следующие фотографии позволят увидеть, насколько интересно и эффектно смотрятся картины в стиле модерн в интерьере современных квартир.

• Красивые городские пейзажи подойдут для светлого фона. Такие полотна станут акцентным и ярким пятном в нейтральной обстановке.

• Довольно интересно в светлых интерьерах смотрится золотистый цвет. Блестящая абстракция прекрасно дополняет дизайн, позволяя ему выглядеть дорого, шикарно.

• Еще одна абстракция, но уже в прохладных синих тонах.

• Необычные модульные картины из нескольких элементов с тематикой осени.

• Для ярких гостиных подойдут картины, которые не будут теряться на фоне общего буйства цветов.

• Разноцветные модульные полотна с растительным орнаментом, написанные в технике ар-нуво.

Об особенностях стиля модерн рассказано в следующем видео.

Картины на досках в стиле лофт

Ищете оригинальные картины на досках в стиле лофт? Подбираете надежный интернет-магазин? Мы поможем вам реализовать любую интерьерную задумку.

Лофтовый стиль предоставляет широкое поле для размышлений. Хотите создать особую атмосферу в жилом помещении, офисе, баре? Мы предлагаем большой каталог картин в стиле лофт. Если вам хочется чего-то другого, мы с радостью подберем изображение под ваш интерьер.

Особенности «промышленных» интерьеров

Особое обаяние интерьеров, созданных в промышленном стиле, создается за счет сочетания грубых элементов (кирпичные стены, открытые коммуникации) и современной техники или оригинального освещения.

Картина для интерьера в стиле лофт должна быть яркой и контрастной, поскольку такие помещения довольно просторные. За счет этого внимание не рассеивается, а концентрируется на элементах дизайна. Этот стиль не отличается изысканностью, однако его особый урбанистический шарм создает ощущение простора и легкости. Каждая деталь интерьера в таких помещениях играет свою роль. В картинах в стиле лофт используют преимущественно светлые цвета.

Картины на досках в лофте

Интерьерные элементы отличаются минимальным числом деталей. Минимализм присущ и деревянным панно на досках. Лучше выбирать произведения без витиеватой игры цвета и света.

Особенности картин на досках в стиле лофт:

• Большие размеры. Произведения искусства в просторной комнате должны быть заметны, иначе ими сложно будет любоваться.
• Изображение картины на досках должно соответствовать основному направлению дизайна помещения и подчеркивать его.
• Оригинальность. Главная особенность картин на стенах в лофте – они выделяются. Удачный способ необычно украсить интерьер – повесить портреты на досках с изображением известных личностей, своих близких и друзей.

Отлично смотрятся в промышленном стиле репродукции популярных картин.

Особенность лофта – баланс небрежности и аккуратности. Вещи в таких интерьерах должны выглядеть дорого, несмотря на их грубость. Картины на дереве в стиле лофт создают именно такое впечатление. Они смотрятся эффектно и презентабельно. Они впечатляют и приковывают взгляды.

Элементы стиля

Среди типичных для «лофтовых» элементов стиля выделяют следующие:

• Старая мебель. Искусственно состаренные предметы органично вписываются в дизайн комнаты.
• Светильники. Атмосферу уюта создают источники мягкого света.
• Деревянные детали. Это могут быть вставки, предметы мебели, дизайнерские украшения, перегородки. Отлично вписываются в интерьер лофт картины на деревянных досках.

Лофтовые помещения отличаются большим количеством пространства, поэтому появляется соблазн обставить комнату мебелью и закрыть пустующие места декоративными элементами. Однако при этом важно соблюдать определенный баланс.

Какую картину выбрать

Выбирая картину на досках в стиле лофт, стоит выбирать светлые цвета. Они должны служить основой всего изображения.

Ярким акцентом может стать графика, черно-белые картины в стиле лофт. Карта мира из дерева – необычное решение для любителей масштабных украшений. Такой декор может занять значительную часть стены.

Стим-панк – направление, которое тесно переплетается с промышленным дизайном. В нем преобладает медный оттенок, а в большинстве деталей прослеживается тяга к различным механизмам и паровым машинам.

Главное отличие стим-панка, роднящее его с лофтом – это наличие натуральных материалов. Дерево – один из основных акцентов в подобных интерьерах.

Где заказать

В нашем магазине вы можете купить картины в стиле лофт с любым изображением. Если вам не подходят варианты из каталога, наши дизайнеры подберут фото специально для вашего интерьера.

Звоните по телефону +7(953) 114-25-25

Или пишите консультанту в онлайн-чат прямо на сайте.

Shop Of Modern Art – Арт-принты и картины в стиле авангард

Что такое интерьер в стиле авангард? 

Стиль авангард в интерьере — один из самых ярких. В истории изобразительного искусства авангард появился на рубеже 19-20 веков и подразумевает под собой отказ от классических канонов и экспериментальность. Авангард в переводе с французского — «передовой отряд» и определяющий фактор в его подходе — новаторство. А среди известных представителей такие художники, как Казимир Малевич, Марк Шагал, Василий Кандинский, Сальвадор Дали, Пабло Пикассо.

Интерьер в стиле авангард — это смелая цветовая гамма, современные материалы, эффектная и необычная мебель и уникальный декор. Если говорить о цветах, стиль авангард про контраст и активные яркие сочетания, здесь практически нет места пастели и полутонам. Смелость прослеживается не только в цветах, но и в планировке пространства, отсюда особая важность декора офиса или дома в этом стиле. Не все мы готовы покрасить стены своей гостиной в активные цвета, но можем добавить ярких акцентов с помощью изображений: картин или арт-принтов, а еще текстиля и керамики.

Чаще всего в интерьере в стиле авангард используют три цвета, два из которых — контрастные, но дополняющие друг друга в сочетании. Например, красный и белый, голубой и черный, оранжевый и зеленый. Третий цвет добавляется в небольшом количестве, как дополнительный сочный акцент.  Для начала можно попробовать добавить в интерьер несколько деталей в этом стиле и понаблюдать за тем, насколько комфортно вам будет жить или работать в таком ярком пространстве. Поэтому настенный декор, арт-принты или картины в стиле авангард, может стать наиболее удобным способом проверить свои ощущения.

Как правильно выбрать настенный декор для интерьера в стиле авангард?

Для авангарда можно подбирать изображения, выполненные в технике абстрактной фотографии, digital art, а также с помощью разных видов печати, рисунки в стиле авангард. Определяющим как в самом стиле, так и в вашем выборе должна быть смелость решения, особенно если мы говорим о гостиной в стиле авангард. Картины маслом для стиля авангард — дорогое удовольствие, сегодня есть уже более удобный и доступный вариант — арт-принты. То есть работы современных российских художников напечатанные на качественной плотной матовой бумаге.

Среди наших художников, работающих в стиле авангард, мы рекомендуем посмотреть:

На сайте можно найти и другие арт-принты и картины в стиле авангард для интерьера своей квартиры, дома или офиса. Выбирайте в боковом меню соответствующий стиль интерьера — наши декораторы уже сделали для вас подборку отличных арт-принтов.

О проекте Somodernart

Мы печатаем репродукции на бумаге музейного качества или на более простой матовой фотобумаге. Если вы хотите оформить квартиру, отдельно гостиную или спальню, или даже весь дом в стиле авангард — наши дизайнеры и декораторы помогут вам подобрать настенный декор для любого пространства. Мы не только подберем картины и арт-принты, но и посоветуем рамы и расскажем, как правильно оформить стену в стиле авангард.

100+ фото [Лучшие Идеи 2019 года]

Американское кино стало источником вдохновения для миллионов людей на оформление своего жилья в стиле лофт, характеризующееся естественным освещением, кирпичными стенами и лаконичностью. Промышленный стиль родом из заброшенных заводов и складских помещений очень быстро нашел применение в декоре интерьера. К таким тенденциям стоит подобрать дополнения в виде картин на холсте и другой необычной графикой. Для придания пространству красоты и комфорта стоит отдать предпочтение изображениям в стиле ретро и винтаж, поп-арт, оп-арт, которые подчеркнут американский стиль вашего интерьера. Приглашаем просмотреть ассортимент удивительных картин в комнатах стиля лофт.

Картины для интерьера в стиле лофт — плакаты или промышленные настенные декорации

Плакаты в стиле лофт — классические декорации с надписями и графикой. Лофт-интерьеры созданы на основе старых, уже не действующих фабрик и промышленных залов. Такие апартаменты имеют свой собственный климат и суровый стиль. Из-за того, что количество адаптированных лофтов невелико и их цены намного выше, чем на классические апартаменты, то такие квартиры сегодня на пике моды. Используйте плакаты в стиле лофт с кирпичными текстурами и надписями. Украшения для минималистских интерьеров, характеризующих чердаки, должны быть оформлены простым стилем, который дополнительно подчеркнет атмосферу таких комнат. Особой популярностью пользуются постеры в стиле лофт с типографскими надписями, украшенными черными и белыми рисунками, сепией, представляя собой наиболее подходящие решения для плакатов в стиле на кирпичных или бетонных стенах.

Картины в стиле лофт: фото с предложениями и цитатами, подходящими для гостиной или спальни

Напечатанная на толстой плакатной бумаге в стиле лофт, графика с предложениями, цитатами или лозунгами, а также простые рисунки приобретают уникальный характер, когда они выглядят словно со стены исторической фабрики. Вот почему все рваные углы, цветные неровности и недостатки будут работать идеально на плакатах в стиле лофт. Дополнить такую картину можно узкой простой рамкой, предпочтительно в черном или серебристом цвете. Она станет изюминкой графики на плакате, не подавляя ее главного сообщения.

Настенные росписи поп-арт и оп-арт идеальны для ваших интерьеров

Настенные картины в стиле лофт — самые модные украшения для вашего интерьера. Выбирайте яркие полотна, которые прекрасно сочетают ретро-элемент, скрытый в старых кирпичных стенах фабрик, железных балок и сырых, изношенных полов с современностью, украшая большие пространства в минималистском декоре. Настенные картины в стиле лофт подвешиваются на большие поверхности, которые нужно заполнить, чтобы они не пустовали, наполняя комнату дружеской атмосферой, уютом и теплом. Кирпичные и бетонные стены требуют красочных картин, поэтому промышленное изобразительное искусство выглядит лучше всего в композициях, занимающих много места. Картины на стене в стиле люфт — это просто фон мечты для отображения панорамных работ и тех, в которые были включены многие детали. Рассмотрите в фото-галерее интересные иллюстрации в стиле лофт, идеально подходящие для большой гостиной или спальни.

Картины на дереве в стиле лофт — галерея в вашем доме

Настенные картины для лофта также являются каскадами или композицией из досок, которые не только способны заполнить всю стену, но и современны по своей асимметричной планировке. Подобно каскадам на больших стенах, галереи небольших картин выглядят великолепно. Самые интересные и совпадающие иллюстрации на стене в стиле лофт — это приглушенные цвета, графика и портреты, созданные на дереве. Что касается изображения, то здесь свобода выбора зависит от того, устроен ли лофт в семейной атмосфере или в прохладной современности. Веяние интерьерной моды рекомендует:

• доски с портретом;
• диптихи с интересной абстракцией;
• триптихи с животным мотивом или материками.

Открытые пространства, промышленные акценты и суровый климат — это характеристики стиля, который рождался с модой на квартиры, обставленные в бывших складах или на чердаках. Однако даже для сурового интерьера есть прекрасные картины, сочетающие минималистский характер металла с многофункциональностью древесины. Благодаря им вы можете организовать большие пространства, сохраняя при этом домашний климат и высокий уровень комфорта.

С точки зрения материалов необработанное сырье очень важно для промышленного стиля: стальные окна, кирпичи, рабочая мебель, шероховатые бетонные стены, вощеные или деревянные полы. Самыми популярными цветами лофта являются серые, черные, белые расцветки. Но не волнуйтесь, вы можете использовать цветные аксессуары в виде шикарных картин, чтобы вдохнуть жизнь в свой интерьер. Идея состоит в том, чтобы повесить на стены стильные украшения в желтом, оранжевом, красном цвете. Картины также можно выставлять на пол, полку или просто подвешивать на большую стену.

75 фото примеров офомления интерьера постерами

Украшать жилище картинами человечество придумало очень много лет назад. Передавать зрительные образы, мысли, эмоции на полотно с помощью красок, кистей начали буквально в начале прошлого тысячелетия, тогда как рисунки на стенах с помощью подручных инструментов, выполнялись еще пещерными людьми.

В современном мире многообразие графики, живописи, декоративно-прикладных искусств, позволяет подобрать подходящее изображение, целую их серию под любое помещение. Картины для интерьера в стиле лофт имеют множество интереснейших особенностей, которые выгодно подчеркивают уникальное оформление.

Особенности, черты стиля на полотне

Лофт появился в 40-х годах двадцатого века в Америке, когда по причине резкого подъема цен на аренду производственных помещений, многие владельцы фабрик, заводов, вынуждены были перенести производство за город. Освободившиеся цеха, ангары, мансарды начали заселять художники, музыканты, актеры, другие люди искусства, оборудуя там свои мастерские, студии. Стоимость съема части такого здания выходила немного ниже цены благоустроенного жилища подобной площади, высокие потолки, панорамные окна, обилие света были приятным дополнением. К середине 50-60-х годов такое жилье приобрело статус элитного. Сейчас в данных помещениях проживают достаточно обеспеченные люди, оборудуются роскошные офисы, ночные рок-клубы.

Картины этой эпохи не претендовали на создание кардинально нового стиля живописи или графики, но максимально ярко отражали окружающую действительность, отношение различных художников к ней. Подавляющее большинство полотен характеризуется холодностью красок, строгостью линий, отсутствием лишних деталей. Многие из них также аккуратно впишутся в минималистический интерьер. Важно, чтобы то, что изображено на картине, не создавало диссонанса с предметами, располагающимися в самом интерьере, не было здесь «лишним».

Другие особенности дизайна полотен в стиле лофт:

• цвета преимущественно светлые, холодные, но в качестве единичных контрастов допускаются отдельные яркие композиции;
• для черно-белого интерьера подойдет портрет в красно-коричневых тонах, а в окружение стен из красного кирпича органично впишутся серо-бежевые абстракции, освежая его;
• картины должны гармонировать с прочим лофт декором – потолочными дубовыми балками, блестящими трубами, многочисленными проводами, бетонными стенами, панорамными зеркалами в простых рамах;
• минимализм в оформлении – чем меньше на полотне линий, цветов, деталей, чем примитивнее изображение, тем лучше, подробные картины художников-реалистов здесь совсем неуместны.

Расположение каждого элемента интерьера должно быть тщательно распланировано – все лишнее следует незамедлительно удалять.

Варианты полотен

Картины для лофт интерьера выполняются практически на любых материалах:

• на традиционном льняном холсте;
• грубо обработанной либо полностью гладкой доске;
• любой ткани, натянутой на каркас;
• на прозрачном, матовом стекле;
• обычной или фотобумаге;
• на остатках обоев;
• на грунтованном картоне, ДВП, ДСП.

Многие варианты картин легко сделать своими руками, даже не будучи художником. Коллажи из кусочков глянцевых журналов, детские рисунки, оформленные в самодельную рамку, абстракции из нитей и гвоздей, набитых по определенному контуру, цветные штампы и макрофотоотлично украсят интерьер в лофт стилистике.

Выбор картин

Художественные полотна выбираются в зависимости от вкусовых предпочтений хозяев дома, квартиры и задают настроение всему помещению, периодически обновляясь, заменяясь другими. При выборе интерьерных картин по размеру, следует учитывать площадь жилого помещения – далеко не каждое может похвастаться сотнями квадратных метров, потолками, как во дворце. Чем меньше оформляемое жилище, тем более мелкие предметы декора в нем размещают, но совсем крошечные картинки смотрятся не очень к месту.

Здесь не существует чрезмерно строгих правил, но предпочтительно, чтобы картины создавали яркий контраст с окружающим их пространством. Так как основные цвета интерьера в стиле лофт – это белый, серый, кирпично-коричневый, на их фоне легко разместить огромное разнообразие художественных полотен, практически любые постеры. Главное, не перегружать интерьер лишними деталями, особенно мелкими, не слишком выразительными.

Ретро, винтаж, барокко – картины данных стилей выглядят весьма эпатажно в стандартных «постсоветских» интерьерах. Тем не менее, отдельные элементы в оформлении лофт картин придутся весьма к месту. Объемные картины из железных деталей, остатков мотоциклов, трубопроводов, будильников часто весьма выгодно обыгрываются, особенно в помещениях достаточной площади.

Портреты

Чаще всего это репродукции известных художников середины прошлого века, таких как:

• Казимир Малевич;
• Марк Шагал;
• Пабло Пикассо;
• Густав Климт;
• Винсент Ван Гог;
• Фрида Кало;
• Сальвадор Дали;
• Зинаида Серебрякова;
• Поль Гоген.

Многие портреты, созданные современными гиперреалистами или художниками-любителями, также придутся в тему. Это могут быть широкоформатные изображения лица или его части, поясные портреты либо в полный рост, в том числе групповые. Подойдут фотографии домочадцев и просто каких-то красивых людей в рамках.

Графика

Из графики, в том числе фотоизображений подойдут следующие мотивы:

• современный мегаполис в серо-синих тонах;
• черно-белые контуры деревьев, силуэты людей, животных, птиц;
• контрастные геометрические фигуры, шахматки, полосы, зигзаги;
• буквы, цифры, надписи, лозунги;
• указатели, логотипы в рамках;
• изображения мультяшных героев;
• фрагменты инструкции по технике безопасности с картинками;
• советские агитационные плакаты;
• пин-ап фотографии;
• широкоформатная таблица умножения, черно-белый стенд для проверки зрения;
• работы художников Роберта Бэнкси и Энди Уорхола.

Крупные яркие постеры, изображающие известных рок-музыкантов, поп-звезд, политических деятелей будут весьма уместны. Шелкография, трафаретная печать оригинально дополнят интерьер.

Абстракция

Красочную или черно-белую простейшую абстракцию легко нарисовать самостоятельно просто подбирая цвета, которые нравятся. Это, может быть, неравномерный градиентный переход от одного яркого колера к другому, нагромождение кубов, шаров, завитушек, расплывчатые лица, перекрывающие друг друга. Под понятие абстракции в интерьере, так или иначе, подходят некоторые картины известных кубистов, фовистов,

Из репродукций полотен художников подойдут следующие:

• «Черный квадрат» К. Малевича;
• «Желто-красно-синее» В. Кандинского;
• «Огненный вечер» П. Клее;
• «Живопись» Х. Миро;
• «Арлекин с гитарой» Ж. Брак;
• «Остров» Д. Исмаилов;
• «Влюбленные цифры» Д. Балла.

Картины, во всех красках детально изображающие работающие механизмы, различные фактуры, космические сюжеты, также смотрятся хорошо.

Модульные картины

Сегментированные или модульные картины с каждым днем все набирают популярность. Они состоят из нескольких частей, одинакового или разного размера, формы, представляя собой диптихи, триптихи либо полиптихи. Для их создания любое изображение «разбивается» на несколько отдельных фрагментов. На стену детали монтируются на равном расстоянии друг от друга либо слегка хаотично, но изображение все равно должно угадываться.

Весьма популярны диптихи и триптихи, имитирующие ржавые металлические полотна.

Изображение карт

Современная или старинная географическая карта мира украсит собой центральную часть стены. Карта распечатывается из старой книги либо интернета с помощью лазерного принтера, крепится к стене на двусторонний скотч, либо вставляется в рамку. Интересно смотрится карта, где фактура континентов, островов выполнена как будто из кирпича. Модульные, абстрактные карты мира, отдельных стран, континентов, земель «Средиземья» либо «Семи королевств», яркие, слегка потертые «под старину» отлично впишутся в промышленный интерьер.

Карта звездного неба – также является хорошим решением. Она выполняется на цельном полотне, из отдельных модулей, в виде двух отдельных полушарий – южного и северного неба.

Деревянные картины

Картины на древесине выполняются методом декупажа, стринг-арта, выжигания, рисования карандашами и красками, УФ-печати. Таким изображениям не требуются рамы, а качество древесины не обязательно выбирать хорошее. Полотно, сбитое на скорую руку из досок от старых европоддонов, будет смотреться даже более органично, чем хорошо зашлифованный фрагмент массива.

Объемные резные панно, раскрашенные вручную, с изображением индустриальных, космических сюжетов, также выглядят уместно. Модульные картины с резными орнаментами создадут гармоничный ансамбль с деревянной мебелью. Их также можно слегка искусственно состарить.

Изображение на деревянной поверхности карты мира, для полного соответствия интерьеру, делается «под старину» — бледным, с отсутствующими фрагментами, на потрескавшемся, поеденным жучками полотне.

Картины для кухни

На кухне одним ярким полотном, целой серией картинок оформляется столовая зона. Они размещаются над обеденным столом на стене, подвесных полках. Если в кухонном помещении присутствует такой сложный элемент, как вентиляционный короб, что будет в порядке вещей для стиля лофт, одной-двумя картинами украшают и его. Это могут быть изображения овощей, фруктов, букетов, различные вытынанки, наклеенные на полотно либо доску.

Пустые рамки, контрастирующие со стенами, также могут быть самостоятельным элементом декора. Как вариант – вставить в них чистые листы бумаги или натянуть блестящую контрастную ткань.

Для интерьера гостиной

В интерьере гостиной наиболее уместны крупные полотна. Красочный диптих станет ярким обрамлением для телевизора с плоским экраном, а серия небольших картин украсит каминную полку. Вокруг дивана можно повесить красочные фото, картинки в форме овала, прямоугольника, абстрактной фигуры.

Все изображения располагают на уровне глаз стоящего либо сидящего человека – середина работы тогда располагается на высоте примерно полутора метров. Если их вешают в ряд, то выравнивают по верхнему или нижнему краю. Крупные полотна подсвечивают индивидуальными лампами, светодиодной лентой.

Огромные напольные картины замечательно украсят интерьер, но размещать их следует так, чтобы удобно было смотреть с расстояния, равного хотя бы одной диагонали полотна – для этого помещение должно быть не слишком тесным, чтобы стоять не в «притык» к стене. Когда напольные конструкции не закреплены, их безопасное размещение также должно учитываться. По возможности все, что не должно быть чрезмерно подвижно, укрепляется с помощью специалистов.

Дизайн в стиле лофт зачастую предусматривает камин. Чаще всего он бывает «фальшивый», но отдельные любители обустраивают вполне дееспособный. Каминная полка в большинстве интерьеров довольно вместительна – здесь размещают черно-белые фотографии семьи в рамках, а также фото последних лет с лучших курортов мира.

При наличии в помещении зеркал следует избегать многократного отражения картин в них – это приводит к колоссальному уменьшению пространства.

Выбор картин в спальню

В помещении спальни не желательно размещать много картин, особенно выполненных в агрессивных тонах – красно-зеленых, желто-фиолетовых, черно-оранжевых, отдавая предпочтение пастельным оттенкам, монохромным композициям, сепии.

Крупное полотно размещают над изголовьем кровати. Если это постель молодоженов, тематика картины должна касаться любви – разноцветные сердечки, словесные признания на разных языках, графические изображения пары лебедей, попугаев-неразлучников.

В спальне зачастую располагается гардеробная – маленькая комнатка, ниша за перегородкой. Данная ширма также обычно имеет собственный, сочетающийся с общим фоном узор, но картины снаружи ее также подбираются контрастные.

Желательно располагать картины в недосягаемых для солнца местах, иначе они имеют шанс слишком быстро выгореть.

Для детской

Детская комната в стиле лофт, в плане выбора картин, дает огромный простор для творчества. Картинный декор здесь возможно сделать не только красивым, но и функциональным. Здесь будет уместна реалистичная, подробная карта мира, постеры с буквами и слогами, для обучения малышей, таблица умножения или дорожных знаков. Самые яркие детские рисунки, панно из шишек и ромашек вставляют в рамочку, размещают на полке, а коллажи из кусочков глянцевых журналов – на спинке двухъярусной кровати. Интерьер можно дополнить силуэтами героев любимых мультиков или крупными черно-белыми фото самих детей.

Варианты расположения картин

Размещать картины, постеры, фотоколлажи можно где угодно, важно, чтобы они не загромождали интерьер, мешая нормальному перемещению. Наиболее удобные для этих целей места:

• полки – подойдут любые: настенные, в шкафах, стеллажах, над камином. На них разместятся не слишком крупные изображения в рамках. Возможно размещение целой концептуальной серии;
• стены – в любых комнатах, коридорах, над лестницами;
• потолок – здесь размещают широкоформатное изображение звездного неба или любую неброскую абстракцию;
• выступы, ниши – полотна в рамках просто ставят туда или монтируют на стену;
• пол – огромные изображения в тяжелых рамах размещают на полу, в прислоненном к стене положении.

Не рекомендуется располагать их там, где присутствует вероятность задеть и уронить, например, в прихожей, детской.

Заключение

Любой дом, городская квартира, украшенная хотя бы несколькими картинами, выглядит весьма уютно, что особенно важно в просторных помещениях лофтинтерьеров. Абстрактные, живописные, графические полотна, если они правильно подобраны, создают неповторимое очарование, придавая оформлению законченный вид.

Важно также соблюдать задуманную цветовую гамму. Подбирая расцветку для комнат, с окнами, обращенными на север либо северо-запад, следует выбирать теплые, максимально светлые колеры. Когда дела касается окон на юг, юго-восток, максимально приемлемы холодные, светлые либо умерено-темные расцветки, не нарушающие общей гармонии интерьера.

Картины Digital art, заказать портрет в стиле Диджитал арт

Современные цифровые технологии оказали огромное влияние на искусство. Создание специальных программ и новых возможностей, которые предоставляются художникам, позволяют более полно раскрыть свой творческий потенциaл, найти новые пути передачи изображения, создать футуристические образы, воплотить все свои самые фантастические мечты.

Возможности Интернета практически безграничны. Можно получить признание художника очень быстро, так как информация распространяется с огромной скоростью. Именно по этой причине картины Диджитал Арт стали очень популярными. Люди, владеющие техникой, создают удивительные по красоте и оригинальности картины, которые поражают воображение. Ими хочется любоваться не только на мониторе компьютера, но и в реальной жизни.

Новые направления оформления интерьера диктуют свои законы. Если раньше были популярны классики в золоченых рамах, то теперь люди все чаще выбирают картины в стиле Digital Art. Это стильные, футуристические постеры, которые удачно вписываются в современный интерьер, создают атмосферность и шик. Картины в данном стиле хочется рассматривать, так как существует множество деталей, которые можно сделать только при помощи современных компьютерных технологий. Особенно хорошо смотрятся подобные предметы декора в стилях хай-тек, модерн.

Понятие Digital Art

Перевод с английского означает цифровое искусство, и оно обобщающее. Сюда входит современная компьютерная музыка, анимация и цифровая живопись. Здесь речь пойдет только о живописи – это картины, которые создаются при помощи специальных компьютерных цифровых технологий. Это целое направление, которое имеет свои тонкости и премудрости. Талантливые художники, работающие в данном направлении, находят для себя свои «фишки» для расширения возможностей цифровой графики.

Интересно! Наиболее популярным художником в цифровом направлении является Blackeri.

Создание изображений при помощи графического редактора

Существуют различные программы и графические редакторы для создания эффекта диджитал арт. Используя определенную технику, художники рисуют свои полотна. Не нужно носить с собой мольберт и краски. Программа предоставляет все возможности сделать свое творение в цвете. В подобной технике работает большинство современных графиков, так как предоставляется широкое поле для реализации собственных задумок.

Интересно! Художники используют специальный планшет – digitizer, по которому можно рисовать при помощи стилуса.

Техника

Художник создает свою картину из фото, абстрактных изображений. За основу берутся невероятные образы, яркие краски. Обработка в фоторедакторе создает дополнительные возможности для создания футуристических картин, где объединяется реальность и фантазия. Обновления для программ выходят достаточно часто, поэтому и возможности для творчества постоянно улучшаются.

Перевод рисунка на холсте в цифровое изображение

Это наиболее близкая тема для традиционной живописи, когда изображение создается на холсте при помощи традиционных приемов. После написания картина в стиле диджитал артзагружается в графический редактор, где можно создавать дополнительные удивительные эффекты, которые предоставляет современное цифровая графика.

Создание постера

Казалось бы – проще простого, достаточно просто напечатать цифровое изображение на принтере и повесить на стену. Но это далеко не так. Все дело в том, что некоторые эффекты, которые видны на мониторе, вплоть до объемного изображения, подсвечивания определенных областей, теряются при распечатывании на принтере. Изображение не такое яркое, не радует насыщенными красками. Для большой картины нужен широкоформатный плоттер. Для того, чтобы изображение получилось красивым, оно корректируется в специальной программе. Нужно особенное внимание уделить фону, который придает заданную глубину.

Картины в стиле Digital Art – это современное веяние, передающее колоритность и высокотехнологичность 21 века. Это настоящее искусство преобразования фотографии или рисунка с использованием компьютера.

7 основных стилей живописи, от реализма до абстрактного

ThoughtCo / Хилари Эллисон

Частью радости живописи 21 века является широкий спектр доступных форм выражения. В конце 19 и 20 веков художники совершили огромный скачок в стилях живописи. На многие из этих инноваций повлияли технологические достижения, такие как изобретение металлической трубки для краски и эволюция фотографии, а также изменения в социальных условностях, политике и философии, а также мировые события.

В этом списке перечислены семь основных стилей искусства (иногда называемых «школами» или «движениями»), некоторые из которых намного более реалистичны, чем другие. Хотя вы не будете частью первоначального движения — группы художников, которые обычно разделяли один и тот же стиль рисования и идеи в течение определенного исторического периода — вы все равно можете рисовать в стилях, которые они использовали. Узнав об этих стилях и увидев, что создали художники, работающие в них, а затем самостоятельно экспериментируя с различными подходами, вы можете начать развивать и развивать свой собственный стиль.

Реализм

Реализм, в котором предмет картины больше похож на реальную вещь, а не стилизован или абстрагирован, — это стиль, который многие люди считают «истинным искусством». Только при близком рассмотрении то, что кажется сплошным цветом, проявляется как серия мазков разных цветов и значений.

Реализм был доминирующим стилем живописи со времен Возрождения.Художник использует перспективу, чтобы создать иллюзию пространства и глубины, настраивая композицию и освещение так, чтобы объект выглядел реальным. «Мона Лиза» Леонардо да Винчи — классический образец стиля.

Живопись

Галерея Гэндальфа / Flickr

Живописный стиль появился во время промышленной революции, охватившей Европу в первой половине XIX века. Освободившись от изобретения металлического тюбика для краски, который позволил художникам выйти за пределы студии, художники сосредоточились на самой живописи.Сюжеты были переданы реалистично, однако художники не скрывали своей технической работы.

Как следует из названия, акцент делается на самом акте рисования: на характере мазков и самих пигментов. Художники, работающие в этом стиле, не пытаются скрыть то, что использовалось для создания картины, сглаживая текстуру или следы, оставленные на краске кистью или другим инструментом, например мастихином. Картины Анри Матисса — прекрасные образцы этого стиля.

Импрессионизм возник в 1880-х годах в Европе, где такие художники, как Клод Моне, стремились запечатлеть свет не через детали реализма, а с помощью жестов и иллюзий. Вам не нужно подходить слишком близко к кувшинкам Моне или подсолнухам Винсента Ван Гога, чтобы увидеть смелые мазки цвета, однако нет никаких сомнений в том, на что вы смотрите.

Объекты сохраняют свой реалистичный вид, но при этом обладают яркостью, уникальной для этого стиля. Трудно поверить, что, когда импрессионисты впервые показывали свои работы, большинство критиков ненавидели и высмеивали их.То, что тогда считалось незаконченным и грубым стилем живописи, теперь любят и почитают.

Экспрессионизм и фовизм

Спенсер Платт / Getty Images

Экспрессионизм и фовизм — похожие стили, которые начали появляться в студиях и галереях на рубеже 20-го века. Оба характеризуются использованием смелых, нереалистичных цветов, выбранных не для изображения жизни такой, какая она есть, а, скорее, такой, какой она ощущается или кажется художнику.

Эти два стиля в чем-то различаются. Экспрессионисты, в том числе Эдвард Мунк, стремились передать гротеск и ужас повседневной жизни, часто используя гипер-стилизованные мазки и ужасающие образы, которые он использовал для большого эффекта в своей картине «Крик».

Фовисты, несмотря на свое новаторское использование цвета, стремились создавать композиции, изображающие жизнь в идеализированной или экзотической природе. Вспомните резвящихся танцоров Анри Матисса или пасторальные сцены Джорджа Брака.

Абстракция

По мере того, как первые десятилетия 20-го века разворачивались в Европе и Америке, живопись становилась менее реалистичной. Абстракция — это прорисовка сути предмета в интерпретации художника, а не видимых деталей. Художник может уменьшить предмет до его доминирующих цветов, форм или узоров, как это сделал Пабло Пикассо со своей знаменитой фреской с изображением трех музыкантов. Исполнители, все четкие линии и углы, не выглядят ни капли реальными, но нет никаких сомнений в том, кто они.

Или художник может удалить предмет из контекста или увеличить его масштаб, как это сделала Джорджия О’Киф в своей работе. Ее цветы и ракушки, лишенные мелких деталей и парящие на абстрактном фоне, могут напоминать сказочные пейзажи.

Чисто абстрактные работы, как и большая часть движения абстрактного экспрессионизма 1950-х годов, активно избегают реализма, упиваясь объятиями субъективного. Предмет или точка картины — это используемые цвета, текстуры в произведении искусства и материалы, использованные для его создания.

Картины Джексона Поллока могут показаться кому-то гигантским беспорядком, но нельзя отрицать, что фрески, такие как «Номер 1 (Лавандовый туман)», обладают динамичным, кинетическим качеством, которое вызывает ваш интерес. Другие художники-абстракционисты, такие как Марк Ротко, сами упростили свой предмет до цвета. Работы с цветовым полем, такие как его шедевр 1961 года «Оранжевый, красный и желтый», — это всего лишь три пигментных блока, в которых можно потеряться.

Фотореализм

Фотореализм развился в конце 1960-х и 1970-х годах как реакция на абстрактный экспрессионизм, который доминировал в искусстве с 1940-х годов. Этот стиль часто кажется более реальным, чем реальность, где не упускается ни одна деталь и нет незначительных недостатков.

Некоторые художники копируют фотографии, проецируя их на холст, чтобы точно запечатлеть детали. Другие делают это от руки или используют сетку для увеличения отпечатка или фотографии. Один из самых известных фотореалистичных художников — Чак Клоуз, чьи фотографии коллег-художников и знаменитостей размером с фреску основаны на снимках.

Что такое концептуальное искусство? (Развитие и эволюция)

Истоки концептуального искусства, можно сказать, восходят к 1917 году и к Марселю Дюшану. Художник приобрел писсуар в магазине сантехника и представил его как скульптуру на открытой выставке скульптур в Нью-Йорке, которую он входил в отборочную комиссию. Жюри отклонило работу, посчитав ее аморальной и отказавшись принять ее как искусство.Вопрос Дюшана о границах искусства и его критика художественного истеблишмента проложили путь концептуальному искусству.

В начале 1960-х термин «концепт-арт» уже использовался членами движения Fluxus, такими как Генри Флинт. Fluxus — это группа, в которую входили художники из Азии, Европы и США. Движение было направлено на создание открытого отношения к искусству, далекого от исключительности модернизма. Художники Fluxus были заинтересованы в расширении диапазона референций эстетики ко всему, от объекта до звука или действия.Среди известных художников Fluxus — Йоко Оно, которая активно участвовала в различных мероприятиях Fluxus как в Нью-Йорке, так и в ее родной Японии, и Джозеф Бойс в Германии. Хотя не всегда , а именно считается частью движения концептуального искусства, Fluxus, без сомнения, является одним из его факторов. Это была важная тенденция на той же волне, что и концептуализм, и его художники часто считаются концептуалистами.

В конце 1950-х — начале 1960-х годов Фрэнк Стелла создал серию «Черных картин», которые обозначили решающий момент разрыва между модернизмом и контрмодернистскими практиками.Эта серия работ приведет к появлению минимализма и концептуального искусства. Суть этих работ заключалась в том, чтобы буквально подчеркнуть и повторить форму холста, перенеся работу со стены в трехмерное пространство. Это была атака на модернизм, породившая нечто совершенно антиформное. Произведение искусства превратилось в действия и идеи, и с этого момента казалось, что шлюзы открылись, и художники переместились на совершенно новую территорию. Модернизму действительно пришел конец.

Статья Сола Левитта «Параграфы концептуального искусства» 1967 года в журнале Artforum была одной из самых важных работ по концептуализму. В статье концептуальное искусство представлено как новое авангардное движение. Фактически, термин «концептуальное искусство» появился в этой статье впервые. Начало статьи Левитта стало общим заявлением о концептуальном подходе: «В концептуальном искусстве идея или концепция являются наиболее важным аспектом работы.Когда художник использует концептуальную форму в искусстве, это означает, что все планирование и решения принимаются заранее, а исполнение — дело формальное. Идея превращается в машину, создающую искусство ».

Получайте эксклюзивную коллекцию подобных статей каждую неделю

Началось появление концептуального искусства как четкого движения в конце 1960-х гг. В 1967 году Джозеф Кошут организовал выставки Nonanthropomorphic Art и Normal Art в Нью-Йорке, где были показаны работы самого Кошута и Кристины Козловой.В своих записях, сопровождающих выставку, Кошут написал: «Настоящие произведения искусства — это идеи». В том же году он выставил свою серию под названием (Искусство как идея как идея). Эта серия работ состояла не из визуальных образов, а из слов, которые были в центре дискуссии о статусе современного искусства — «значение», «объект», «репрезентация» и «теория» и другие.

Тем временем в Англии Art & Language Group исследовала последствия предложения все более и более сложных объектов в качестве произведений искусства (примеры включают столб воздуха, Оксфордшир и французскую армию).Первое поколение Art & Language Group было сформировано Терри Аткинсоном, Майклом Болдуином, Дэвидом Бейнбриджем и Гарольдом Харреллом в 1966-67 годах. Позже группа также расширилась до США. В 1972 году они выпустили Art & Language Index 01 для Documenta V. Это была инсталляция, состоящая из группы из восьми картотек, содержащих 87 текстов из журнала Art-Language .

Книга Люси Липпард Шесть лет , охватывающая первые годы движения концептуального искусства (1966-1972), вышла в 1973 году.Учитывая запутанный и сложный характер концептуального искусства, американский художник Мел Бохнер осудил ее рассказ как запутанный и произвольный. Спустя годы Липпард будет утверждать, что большинство описаний концептуализма ошибочны и что нельзя доверять воспоминаниям о реальных событиях, связанных с развитием концептуального искусства, — даже самим художникам.

Как указывалось ранее, концептуализм был важен не только в США и Англии, но также широко изучался и развивался в других частях мира, где работа часто находилась далеко. более политизированный.Во Франции примерно во время студенческих восстаний 1968 года Даниэль Бурен создавал искусство, которое должно было бросить вызов и критиковать институт. Его целью было не привлечь внимание к самим картинам, а к ожиданиям, создаваемым контекстом искусства, в котором они были помещены. В Италии Arte Povera возникло в 1967 году, сосредоточив внимание на создании искусства без ограничений традиционных практик и материалов.

В Латинской Америке художники выбирали в своей работе более прямой политический отклик, чем художники-концептуалисты в Северной Америке и Западной Европе.Бразильский художник Сильдо Мейрелеш повторно представил реди-мейд с его серией Insertions into Ideological Circuits (1969). Он вмешивался в объекты из систем обращения, такие как банкноты и бутылки из-под кока-колы, наклеивая на них политические сообщения и таким образом возвращая их в систему.

В Советском Союзе искусствовед Борис Гройс назвал группу российских художников, работавших в 1970-е годы, «московскими концептуалистами».Они смешали советский социалистический реализм с американской поп-музыкой и западным концептуализмом.

Концептуализм в современной практике часто называют современным концептуализмом. Современные концептуальные произведения часто используют междисциплинарные подходы и участие аудитории, а также критикуют институты, политические системы и структуры, а также иерархии. Художники, которые явно используют различные техники и стратегии, связанные с концептуальным искусством, включают Дженни Хольцер и ее использование языка, Шерри Левин и ее фотографическую критику оригинальности, Синди Шерман и ее игру с идентичностью, а также использование текста и фотографии Барбары Крюгер.

Когда мы исследовали сложную и обширную историю и современность концептуального искусства, на ум приходят несколько вещей. Одна из его самых сильных сторон — взять на себя ответственность по-настоящему исследовать природу искусства и институтов. Иногда это было искусство сопротивления господствующему порядку. В других случаях это было циничное зеркало мира искусства или глубоко философское начинание. Многие художники презирали, когда их кладут в коробку с концептуальным искусством, как и в любую коробку.Тем не менее, мы попытались провести определенные границы между различными художниками, событиями и системами мышления, которые какое-то время вращались по схожей орбите и которые можно лучше понять под эгидой концептуализма.

Часто задаваемые вопросы о концептуальном искусстве

Когда художник использует концептуальную форму искусства, это означает, что все планирование и аранжировки делаются заранее, а исполнение — более поверхностный процесс.В концептуальном искусстве процесс, стоящий за работой, более важен, чем готовое произведение искусства.

Концептуальное искусство в основном сосредоточено на «идеях и целях», а не на «произведениях искусства» (картины, скульптуры и другие ценные предметы). Для него характерно использование различных носителей и опор, а также различных временных повседневных материалов и «готовых предметов».

Марсель Дюшан известен как основоположник концептуального искусства.Он наиболее известен своими готовыми работами, такими как Fountain , знаменитый писсуар, который он назвал искусством в 1917 году и который считается первым концептуальным произведением искусства в истории искусства.

Знаете кого-нибудь, кому эта статья будет интересна?

Узнайте больше о концептуализме до, во время и после концептуального искусства Терри Смита
Узнайте больше о термине Art на: Tate Publishing

Что такое искусство экспрессионизма? [+ Художники-экспрессионисты]

Статьи и статьи

Шира Вулф

В начале двадцатого века по Европе прокатилась художественная тенденция, подстегиваемая сопротивлением буржуазной культуре и страстью. поиск обновленных творческих способностей.Это стало известно как экспрессионизм. Слова, характеризующие художников-экспрессионистов и экспрессионистское искусство, — это «я», психика, тело, сексуальность, природа и дух. Во Франции голландский художник Ван Гог копал глубоко и раскрыл свою необычную, беспокойную и красочную психику; в Германии русский Василий Кандинский исследовал духовность в искусстве как противоядие от отчуждения в современном мире; в Австрии Эгон Шиле и Оскар Кокошка боролись с моральным лицемерием общества, обращаясь к таким темам, как сексуальность, смерть и насилие; наконец, Эдвард Мунк произвел фурор в Норвегии и по всей Европе своим диким, интенсивным выражением окружающей среды, своего «я» и психики.Вместе эти художники затронули очень сырые, истинные и вечные вопросы, темы и проблемы, которые волновались под поверхностью и которые остаются знакомыми нам даже сегодня. Возможно, именно поэтому экспрессионизм в искусстве продолжался во многих различных направлениях даже после этих художников и в этот конкретный период времени, и почему вы можете утверждать, что экспрессионизм все еще жив.

Экспрессионизм считается скорее международной тенденцией, чем последовательным художественным движением, которое было особенно влиятельным в начале двадцатого века.Он охватил различные области: искусство, литературу, музыку, театр и архитектуру. Художники-экспрессионисты стремились выразить эмоциональный опыт, а не физическую реальность. Известными картинами экспрессионистов являются «Крик » Эдварда Мунка, «Der Blaue Reiter» Василия Кандинского и « Сидящая женщина с поднятыми ногами» Эгона Шиле.

Экспрессионизм — сложный и обширный термин, который в разное время означал разные вещи. Однако, когда мы говорим об искусстве экспрессионизма, мы склонны думать либо о художественной тенденции, которая последовала как реакция на импрессионизм во Франции, либо о движении, которое возникло в Германии и Австрии в начале двадцатого века.Этот термин настолько эластичен, что подходит для художников от Винсента Ван Гога до Эгона Шиле и Василия Кандинского.

Ключевые даты: 1905-1920
Ключевые регионы: Германия, Австрия, Франция
Ключевые слова: Я, психика, тело, сексуальность, природа, дух, эмоции, мистицизм, искажение реальности, преувеличение, усиление использование цвета
Ключевые художники: Винсент Ван Гог, Анри Матисс, Эдвард Мунк, Эгон Шиле, Оскар Кокошка, Василий Кандинский, Франц Марк, Эрнст Людвиг Кирхнер

Во Франции часто ассоциируются основные художники с экспрессионизмом были Винсент Ван Гог, Поль Гоген и Анри Матисс.Хотя Ван Гог и Гоген были активны в годы, несколько предшествовавшие тому, что считается основным периодом экспрессионизма (1905-1920), их, без сомнения, можно рассматривать как художников-экспрессионистов, которые рисовали мир вокруг них не так, как он казался. им, но из глубоко субъективного человеческого опыта. Матисс, Ван Гог и Гоген использовали выразительные цвета и стили манеры письма, чтобы изобразить эмоции и переживания, отойдя от реалистичного изображения своих предметов к тому, как они их чувствовали и воспринимали.

В Германии экспрессионизм особенно ассоциируется с группами Brücke и Der Blaue Reiter . Искусство немецкого экспрессионизма черпало вдохновение из мистицизма, средневековья, первобытных времен и философии Фридриха Ницше, идеи которого были чрезвычайно популярны и влиятельны в то время.

Brücke был основан в Дрездене в 1905 году как богемный коллектив художников-экспрессионистов, выступающих против буржуазного общественного строя Германии. Четырьмя членами-учредителями были Эрнст Людвиг Кирхнер, Фриц Блейл, Эрих Хекель и Карл Шмидт-Ротлуф, ни один из которых не получил формального художественного образования. Они выбрали свое имя, Брюке, чтобы описать свое желание соединить прошлое и настоящее. Название было навеяно отрывком из книги Фридриха Ницше Так говорил Заратустра .Художники пытались вырваться за рамки современной жизни среднего класса, исследуя усиленное использование цвета, прямой, упрощенный подход к форме и свободную сексуальность в своих работах.

Der Blaue Reiter была основана в 1911 году Василием Кандинским и Францем Марком. Перед лицом растущего отчуждения, которое они пережили из-за модернизирующегося мира, они стремились превзойти обыденное, преследуя духовную ценность искусства. Более того, они стремились разрушить границы между, в их глазах, тесно связанными явлениями, такими как «искусство», детское искусство, народное искусство и этнография.Имя Der Blaue Reiter связано с повторяющейся темой всадника на лошади из мюнхенского периода Кандинского, а также с любовью Кандинского и Марка к синему цвету, который для них обладал духовными качествами. Основными художниками, связанными с Der Blaue Reiter, являются Кандинский, Марк, Клее, Мюнтер, Явленский, Веревкин и Макке.

Эгон Шиле и Оскар Кокошка — две главные фигуры австрийского экспрессионизма.На них особенно повлиял их предшественник Густав Климт, который также приложил руку к началу своей карьеры благодаря созданным им выставкам, демонстрирующим лучшее из современного австрийского искусства. Оба художника-экспрессиониста жили в противоречивой Вене конца 19, 90, 260, , начала 20, 90, 260, века, где моральное подавление и сексуальное лицемерие сыграли свою роль в развитии искусства экспрессионизма. Шиле и Кокошка избегали этого морального лицемерия и изображали такие темы, как смерть, насилие, тоска и секс.Кокошка стал известен своими портретами и способностью раскрывать внутреннюю природу своих натурщиков, а Шиле — своими грубыми, почти жестокими изображениями отчужденной, но отчаянной сексуальности.

Еще одним важным художником того времени, оказавшим большое влияние на немецкие и австрийские экспрессионистские сцены, был норвежец Эдвард Мунк, который был хорошо известен в Вене по выставкам Сецессиона и 1909 Kunstschau .Мунк наиболее известен благодаря «Крику», его картине, изображающей фигуру на мосту с закатом позади него, издающую отчаянный крик, вскинувший волосы дыбом.

Эта картина была вдохновлена ​​единственным мгновенным опытом, который Мунк испытал во Франции: шел по дороге с двумя друзьями.Солнце начало садиться. Я почувствовал легкую меланхолию. Внезапно небо стало кроваво-красным. Я остановился, прислонился к перилам, смертельно усталый, и посмотрел на пылающие облака, которые, словно кровь и меч, нависали над сине-черным фьордом и городом. Мои друзья пошли дальше. Я стоял там, дрожа от страха. И я почувствовал громкий, нескончаемый крик, пронизывающий природу ». («Экспрессионизм», Эшли Басси, стр.69) Крик ощущается фигурой, он полностью поглощает его и пронизывает как среду , так и его психику.

Der Blaue Reiter — одна из первых экспрессионистских работ Кандинского. На нем изображен всадник в синем цвете, скачущий по полям. Der Blaue Reiter («Синий всадник») также использовалось как название группы художников-экспрессионистов, основанной в 1911 году Василием Кандинским и Францем Марком.

Эгон Шиле нарисовал свою жену Эдит Хармс в 1917 году, изобразив ее сидящей на полу, положив щекой на левое колено.Ее огненно-рыжие волосы разительно контрастируют с зеленым цветом ее рубашки. Портрет смелый и многообещающий, с явным эротическим подтекстом — эротизм — одна из главных тем в творчестве Шиле.

Франц Марк был одним из основателей Der Blaue Reiter . Он придавал эмоциональное и психологическое значение цветам, которые использовал в своих работах, а синий использовался для изображения мужественности и духовности.Марк был очарован животными и их богатым внутренним миром, и он изображал своих животных очень эмоционально.

Несколько художников-экспрессионистов погибли во время Первой мировой войны или в результате войны из-за травм и болезней. Франц Марк пал в 1916 году; Эгон Шиле умер во время эпидемии гриппа 1918 года, и многие другие покончили жизнь самоубийством после травм, нанесенных войной.Наконец, эра немецкого экспрессионизма была уничтожена нацистской диктатурой в 1933 году. Бесчисленное количество художников того времени, среди которых были Пабло Пикассо, Пауль Клее, Франц Марк, Эрнст Людвиг Кирхнер, Эдвард Мунк, Анри Матисс, Винсент Ван Гог и Поль Гоген. , были названы нацистами «дегенеративными художниками», а их работы в стиле экспрессионизма были изъяты из музеев и конфискованы.

Тем не менее, экспрессионизм продолжал вдохновлять и жить в более поздних художниках и художественных направлениях. Например, абстрактный экспрессионизм развился как важное авангардное движение в послевоенных Соединенных Штатах в 1940-х и 1950-х годах.Абстрактные экспрессионисты отказались от фигурации и вместо этого исследовали в своем искусстве цветовые поля, жесты и спонтанность. Позже, в конце 1970-х — начале 1980-х, неоэкспрессионизм начал развиваться как реакция на концептуальное искусство и минималистское искусство того времени. Художники-неоэкспрессионисты были очень вдохновлены немецкими экспрессионистами, которые были до них, часто изображая своих предметов в сырой манере с выразительными мазками и яркими цветами. Среди известных художников-неоэкспрессионистов — Жан-Мишель Баския, Ансельм Кифер, Джулиан Шнабель, Эрик Фишль и Дэвид Салле.

Часто задаваемые вопросы по экспрессионизму

Экспрессионизм был художественным течением и международной тенденцией в начале 20 века, охватившей изобразительное искусство, литературу, музыку, театр и архитектуру. Целью художников-экспрессионистов было выразить эмоциональный опыт, а не физическую реальность.

Эдвард Мунк, Эгон Шиле, Оскар Кокошка, Василий Кандинский, Франц Марк, Эрнст Людвиг Кирхнер, Винсент Ван Гог и Анри Матисс.

Экспрессионизм зародился в 1905 году и просуществовал примерно до 1920 года.

Хотите узнать о других направлениях в искусстве?

Соответствующие источники, чтобы узнать больше

Узнайте больше об экспрессионизме на: Тейт

Подробнее

25 различных типов техник и стилей рисования

Виды картин

Типы картин: Живопись — это искусство разбрызгивания цветов с помощью кистей определенным образом для создания искусства.Рисовать можно практически на любой поверхности, и они могут быть цифровыми (на компьютере) или ручными с использованием красок и кистей. Существуют различные виды материалов для рисования, такие как песок, бумага, глина и многие другие. Живопись — это творчество, поэтому художники не ограничиваются только ограниченными средами и материалами, это постоянно развивающийся процесс. Существуют различные типов живописи стилей, но современный стиль живописи является наиболее востребованной техникой, он позволяет художнику воплощать свои идеи на холсте со смесью модернизма, абстрактных и сюрреалистических техник.Существуют разные стили живописи, такие как абстрактное искусство, концептуальное искусство, гиперреализм, поп-арт, футуризм, импрессионизм и так далее. Как художники, вы можете сосредоточиться на отдельных стилях или их комбинации.

• Масляная живопись
• Акварельная живопись
• Картина пастелью
• Акриловая краска
• Цифровая живопись
• Тушь для рисования или литературная живопись — китайские черные туши
• Картина горячим воском или картина энкаустики
• Распыление
• Картины Fresco secco — техника росписи стен
• Гуашь, акварель, непрозрачная, средний
• Картины эмалью
• Картины темперой (очень долговечные)
• Песочная живопись.. и т. д.

1. Картина маслом

Картина маслом может оказаться сложной задачей для новичков. Картина маслом подходит практически ко всем стилям. Вы можете работать с гладкой текстурой краски, которая имеет чудесный аромат. В масляной краске используется немного олифы в качестве связующего для пигментов, что придает краске чудесный маслянистый вид. Наиболее распространенными олифами, используемыми в качестве связующего, являются масло грецкого ореха, льняное масло, маковое масло и многие другие. Впервые масляная живопись была использована индийскими и китайскими художниками в 5 веке, но стала популярной только в 15 веке.
35 самых красивых картин маслом от ведущих художников мира

2. Акварельная живопись

Акварельная живопись обычно выполняется на бумаге. В этом конкретном типе живописи для смешивания цветов используются растворы на водной основе, отсюда и название «акварельная живопись». По сравнению с масляной живописью, рисование акварелью также является сложной задачей. В настоящее время у вас есть много художников, которые пробуют реалистично выглядящие портреты с использованием акварели. Здесь очень важно смешение цветов, так как слишком много чего-либо меняет оттенок цветов.
30 лучших акварельных картин от лучших художников со всего мира

3. Пастель

Пастельные палочки обычно используются для создания пастельных картин. Используя пастельные карандаши, вы можете сразу начать рисовать и раскрашивать, они используют те же связующие пигменты, за исключением того, что пастельные карандаши представляют собой порошковую форму, которые связаны вместе с помощью связующего вещества, и они уже готовы. Если вы ищете чистые и глубокие цвета, то настоятельно рекомендуется использовать пастельные карандаши.Картины пастелью можно рисовать на холсте, поэтому можно делать красивое наслоение цветов пастелью.
25 красивых и реалистичных картин пастелью Рубена Беллозо

4. Акриловая краска

Если вы хотите, чтобы картина высыхала быстрее, то акриловая краска — лучший вариант. Это водорастворимые краски, но по завершении окраски они становятся водостойкими. Интересный факт, не правда ли? Большинство любителей любят работать с акриловыми красками. Для скульптур, лепки, черт лица многие художники используют роспись акрилом.Кисти после промывки легче чистить, так как акриловым краскам достаточно воды, чтобы смыть их.
30 гиперреалистичных акриловых картин от JasondeGraaf — Стекло и отражение

5. Цифровая живопись

Цифровая живопись — это искусство создания произведений искусства на компьютере, которые делают их похожими на акварельные картины, картины маслом или даже картины акриловыми красками. Цифровая картина маслом и картина маслом, выполненная вручную, будут иметь множество различий, поскольку у вас есть доступ ко множеству других текстур и инструментов, которые легко доступны в системе.Да, вам не нужно беспокоиться о том, что краска может пролиться долгие часы. Вы можете заниматься тем же искусством в непринужденной обстановке, не выходя из дома.
25 умопомрачительных цифровых картин и иллюстраций Сержа Биро

6. Песок

Рисование на песке может быть довольно грязным, и это временное искусство. Картина из песка может быть снята на видео с помощью скоростного движения, чтобы понять, как художник работает над ними. Обычно это делается с минимальным освещением, но есть фокусный свет под столом, где создается песочная картина.Картина из песка создается с помощью цветного песка, который перемещается по неподвижной поверхности руками. Он практикуется во многих странах и известен под несколькими названиями, в Индии он известен как колам или ранголи.
20 отмеченных наградами произведений искусства из песка и примеров анимации из песка

7. Рисование текстуры — Текстура для рисования

Мы все любим видеть мазки кисти на картине, это дает драматический финальный эффект. Текстурные картины в основном используются масляными красками, так как при работе с акриловыми красками их эффекты теряются при высыхании акриловых красок.Но масляные краски, как правило, дороги, поэтому в качестве замены можно использовать акриловую пасту, которая отлично работает с текстурами. Помимо обычных малярных кистей, для создания текстурных картин используются плоские ножи, тупые предметы.
25 красивых современных текстурированных картин ножа palatte

8. Матовая окраска

Красивые пейзажи обычно создаются с помощью матовых картин. Матовые картины широко используются в индустрии кино и видеоигр. В киноиндустрии большие декорации создаются после завершения матовой окраски локаций.Иногда создание таких сред, как сказка или научная фантастика, обходится очень дорого, в таких случаях матовые картины используются в качестве фонового экрана и объединяются с другими кадрами.
25 умопомрачительных матовых картин для вашего вдохновения

9. Окраска распылением

Краска обычно наносится из пульверизатора для достижения желаемых результатов. В основном аэрозольные краски используются на улицах (уличное искусство), граффити, холсте, дереве, металле, стекле, керамике и многом другом. Если для большой площади холста требуется такой же пигмент, используется техника окраски распылением, чтобы покрыть эти области для более быстрой явки.
Картина «Скорость распыления» Бена Рабина

10. Искусство граффити

Граффити в основном делают на общественных зданиях с разрешениями или без них. Граффити не предназначено для понимания широкой публикой, это стиль письма или рисования / каракулей, который не имеет абсолютного значения. Первый художник-граффити был учеником средней школы в 1967 году, который писал на стенах, чтобы привлечь внимание своей возлюбленной. . Граффити стало полноценной известной техникой рисования в 1980 году, когда многие художники прибегали к публичным стенам, чтобы продемонстрировать свой талант.

11. Чернила для рисования или Литературная живопись — китайские черные чернила
Чернила для рисования также известны как Литературная живопись. Для создания этих произведений искусства использовались китайские черные туши. Китайские черные чернила довольно популярны в азиатской стране, поскольку в основном используются для каллиграфии. Различные оттенки черного создаются путем смешивания воды с черными чернилами для получения желаемой консистенции.

12. Картина горячим воском или Энкаустическая живопись
Картина горячим воском также известна как Энкаустическая живопись.В этой технике росписи используется пчелиный воск, который плавится и добавляется к цветным пигментам. В этой технике используются как холодный воск, так и горячий пчелиный воск. Энкаустические картины обычно создаются на деревянном холсте.

13. Картины Fresco secco — Техника настенной росписи
Картины Fresco secco обычно создаются на свежеприготовленной известковой штукатурке. Цветные пигменты смешиваются с водным раствором и наносятся непосредственно на известковую штукатурку, создавая перманентную картину. Картины Fresco Secco существуют с эпохи Возрождения, их можно увидеть на стенах и потолках Ватикана.

14. Гуашь — непрозрачная акварель
Гуашь — это непрозрачная акварель, используемая с другими связующими для создания искусства. В акварельную смесь добавляют белый мел или белый цвет для достижения непрозрачности в технике Гуашь. Гуашь нельзя наносить непосредственно на холст, так как она плохо связывается, если вы хотите использовать ее на холсте, то акриловые пигменты необходимо смешать. Будьте осторожны, чтобы не разбавить акриловые краски, так как картины могут не иметь желаемого вида.

15. Картины темперой — Долговечная живопись
Картины темперой известны как искусство яичной темперы. Они быстро сохнут, а краска держится дольше, чем другие. Яичные желтки используются в качестве связующей среды с красками, и, поскольку они очень глютеновые, они быстрее сохнут. Это одна из старейших известных техник рисования. Вместо яиц иногда в качестве связующего вещества к смеси воды и красителей используют камедь, глицерин, казеин.

16. Эмалевые картины — Искусство с эмалевой краской
Эмалевые краски придают глянцевый или блестящий вид после полного высыхания.

17. Капельная живопись — Капли краски
Как следует из названия, краска капает на холст, чтобы создать капельницу.

18. Underpainting — Layer Painting
На холст добавляется базовая краска, и добавляются дополнительные слои цветов для создания красивых подмалевок.

19. Панельная живопись — Многокомпонентная живопись
Панельная живопись создается на нескольких деревянных панелях и соединяется вместе.

20. Бархатная живопись — Искусство на бархате
Бархатная роспись обычно создается на куске бархатной ткани.

21. Роспись листьев — Искусство на листьях
Роспись, созданная на листе или создающая формы листьев с помощью рисунков, известна как роспись листами.

22. Обратная окраска стекла — Роспись стекла
Обратная окраска стекла — это нанесение краски на стекло, и изображение становится видимым, когда вы смотрите через стекло.

23. Миниатюрная живопись — Маленькие картины
Миниатюрные картины — это небольшие картины ручной работы.

24. Живопись в движении — Быстрые, прямые мазки кисти
Живопись в движении — это быстрое, спонтанное рисование с прямыми мазками на холсте. Капельки краски создают красивый эффект.

25. Anamorphosis — Perspective Painting
Anamorphosis — перспективная живопись.

Существует множество различных типов стилей рисования, вы можете сосредоточиться на конкретном стиле или сделать комбинацию стилей. Самый востребованный стиль живописи у большинства художников — это западный стиль.

• ЗАПАДНЫЙ СТИЛЬ
• Модернизм
• Кубизм
• Сюрреализм
• Экспрессионизм
• Абстрактный стиль
• Импрессионизм
• Фигуративизм / Фигуративное искусство
• Ар-деко — изобразительное искусство, архитектура и дизайн
• Модерн — вдохновленный природой
• ВОСТОЧНЫЙ СТИЛЬ
• Китайские картины
• Японские картины
• Корейская живопись
• индийских картин: Танджор, Моголы, Раджастхани и Паттачитра

Вы можете быть впечатлены определенной формой живописи или даже историей вокруг.В любом случае, живопись — это все о том, чтобы позволить вашему внутреннему творчеству на куске холста, который будет полностью освобождать. Также исследуйте
абстрактное искусство, пейзажная живопись, натюрморт, современное искусство, концепт-арт, фотореализм, гиперреализм, сюрреализм, модернизм, импрессионизм, экспрессионизм, всплывающие картины, фигурная живопись, бодиарт, настенная живопись, уличное искусство, китайская живопись, Японская живопись, корейская живопись, исламская живопись, индийская живопись, африканская живопись и ведута.

9 основных стилей художественной живописи: введение

С самого начала цивилизации пути человека и искусства никогда не расходились. На протяжении тысячелетий мир видел множество прекрасных художественных движений, возглавляемых великими художниками. Сейчас, в 21 веке, мы можем оценить разные стили искусства, в частности живопись, от западного до восточного. Вот некоторые из основных стилей художественной живописи на протяжении всей истории.

Реализм

Реализм как направление в искусстве впервые возник во Франции в 1840-х годах, примерно во время печально известной революции 1848 года.Это был прямой ответ романтизму, который доминировал в Европе в начале 19 века. Реализм как стиль художественной живописи, а не скрупулезное внимание к внешнему виду, определяется выбором и обработкой предмета. Это попытка наглядно представить предмет и все его приземленные достоинства.

Реализм — это отход от любых художественных подходов, которые делают картину искусственной.Он использует перспективу, чтобы создать визуальную иллюзию пространства и глубины таким образом, чтобы объект выглядел реальным. Точно так же персонажи в реалистических картинах — в основном обычные люди, занимающиеся повседневными делами в не драматической обстановке. Этот стиль ярко проявился в работах Гюстава Курбе, Оноре Домье, Жана-Франсуа Милле и Жана-Батиста-Камиля Коро.

Живопись

Живописный стиль появился в Европе в конце 19 века, когда по континенту охватила промышленная революция.Стиль художественной росписи подчеркивает характер мазков и пигментов. Художники-живописцы не пытаются скрыть то, что они используют для создания картины, сглаживая текстуру или следы, оставленные кистями или любым другим инструментом в краске. Работы Анри Матисса и Эжени Байзерман — одни из прекрасных примеров этого стиля.

Импрессионизм

Когда искусствовед Луи Лерой написал статью Выставка импрессионистов как сатирический обзор произведения Клода Моне « Impression, soleil levant » (1872) для парижской газеты Le Charivari , он не Не понимаю, что впоследствии он называл направление в искусстве — то есть радикальное.Работа Моне маслом на холсте включает в себя склонность к свободно нанесенным краскам по линиям и контурам, что Лерой выразил как «в лучшем случае набросок».

Техника, считавшаяся радикальной в ту эпоху, была стилизованной под творчество художников-романтиков Дж. М. У. Тернера и Эжена Делакруа, в частности, « The Fighting Temeraire » (1839) Тернера, которые повлияли на возникновение стиля. Импрессионизм также является противоположностью академического стиля, где натюрморты и портреты, в том числе пейзажи, часто писались в студии.

С импрессионизмом художники работали на пленэре , запечатлевая преходящие и мгновенные эффекты солнечного света, рисуя на открытом воздухе. Импрессионисты пытались изобразить общие визуальные эффекты, а не детали. Чтобы добиться интенсивного эффекта цветовой вибрации, они использовали короткие «рваные» кисти из смешанных и чистых несмешанных цветов.

Фовизм

Как и импрессионизм, термин фовизм был случайно придуман искусствоведом, чтобы изобразить картину в довольно уничижительной манере.Луи Воксель первым высказал это замечание после того, как увидел шокирующе смелые и яркие картины, обрамляющие произведения искусства эпохи Возрождения в парижском Осеннем салоне в 1905 году, на что он саркастически прокомментировал: « Donatello au milieu des fauves! ».